jeudi 17 août 2017

SVERRE KNUT JOHANSEN: Planets (2013)

“Beautiful and melodious EM which can compete with the music of Vangelis, Planets possesses all the charms of an EM which flirts skillfully with New Age without faked emotions”
1 Twin Sunrise 4:00
2 Planets I 5:36
3 Dreamspace Part I 5:45
4 In Orbit 7:37
5 Nebulae 6:34
6 Planets II 6:50
7 Origins 11:37

8 Apsis 5:03
9 Planets III 3:20
10 Dreamspace Part II 17:35

Sverre Knut Johansen Music (DDL 61:58) ****¼
(Melodious Space Music)

It's while writing the chronicle about Secret Space Program that a fan wrote me about the album “Planets”. According to his statements, it was about Sverre Knut Johansen's best album. So Sverre has friendly sent me this album to validate the craze some of this admirer. My first contact with “Planets” was rather tepid. And my first analysis was that the album was feeding an armada of style which fluttered from synth Space Music to New Age while touching a good EM pushed by sequencers and by percussions. The following attempt brought me to the same reasoning but with more bewitchment for the senses. And finally, I ended to like this album of which the sound texture, the musical wealth and the harmonious direction lean on two working years, “Planets” was simmered between 2000 and 2002, with an attention to detail which states of Sverre Knut Johansen who neglects no aspect, from where a beautiful cosmic tale about planets which was thought with a vision which equals the perfectionism of the Norwegian musician.
An ambience of cosmos opens the twilights and allows to some arpeggios to make sparkle a little melody as fragile as striking. A melodist without equal, who is strongly inspired and influenced by the arrangements of
Vangelis, Sverre Knut Johansen draws a superb one in this opening of “Planets”. A decoration of cosmic jungle surrounds this harmonious delicacy which screws very solid at the bottom of our eardrums while the ambient rhythm of "Twin Sunrise" militarizes itself with percussions of which the rumblings sculpt a wonderful cosmic bolero. A strong starting signal which sends the ears in orbit. Especially that "Planets I" appears as a deserving successor with a very Tangerine Dream approach from the post TDI years. The electronic percussions, kind of bongo drums, and the melodic arrangements of the synth dominate and create an approach marked with emotion. The impact is not as well dominant as with "Twin Sunrise" but we let oneself easily cradle by this rhythmic approach which does in a very accessible New Age. "Dreamspace Part I" is another very beautiful title, if we like that when ethereal melody and arrangement go hand in hand, slightly livened up by these bongo percussions which perfume the rhythms of “Planets”. The rhythm is always in passive mode with some well moderated explosions and is drumming delicately under a bed of orchestrations that will raise the hairs of our spine. An Elvish voice comes to whisper in our ears the delights of a cosmic Eden while the arrangements, I even hear an oboe, are brilliantly mixed with good cosmic effects. Effects which are even more omnipresent in "In Orbit" whose evolutionary structure hangs onto this crescendo in mode Bolero which lead the ambient and circular rhythms that we find all over “Planets”. There is here a beautiful duel synth/guitar here with soft and evasive solos of the synth and incisive and penetrating ones from the guitar of Eivind Aarset. "Nebulae" is more in meditative mode with a synth which draws a melodious approach on the songs of cosmic whales. The layers of voices are as much serene and captivating as in "Dreamspace Part I".

"Planets II" puts more emphasis on the singing exercises with an approach clearly more in mode cosmic opera, genre Luc Besson's The 5th Element. The title embraces a more rock phase when this opera voice melts its fascinating harmonies to some nice guitar solos more in rock mode. Soft and poetic, "Origins" is a very beautiful title of meditative ambiences where we float through the space on the giant wings of an intersidereal eagle. There is a lot of emotion and intensity in this title where the ambient music is more melodious than tonal. "Apsis" flirts with the borders of New Age with a delicate melody puffed from a synth a bit nasal. The percussions, always in mode tom-tom and bongo and sometimes even military, welcome this tearful lullaby which hangs on to a rhythmic intensity of which the peak is a good electronic rock as much heavy than slow. After this short raid in this contemporary universe of Tangerine Dream, "Apsis" returns to its meditative bed where still sparkle these melodious pearls which are charmingly scattered in “Planets”. We cannot like what is beautiful! A little more aggressive and still very melodious, "Planets III" switches off its ardor into good orchestrations. "Dreamspace Part II" concludes this Sverre Knut Johansen's 6th album with an approach which follows the rules of "Dreamspace Part I" but with 12 minutes in plus which serve to explore a universe closer to the one of Code Indigo or the one of David Wright. The first 10 minutes are very effective with these layers of voices which are still fighting in duel with some strong raids of a starved and dynamic electric six-strings. The rhythm always grows in its pattern of crescendo, allying melody and intensity in a well embellished cosmic soundscape. The last 7 minutes are shared between fragments of rhythm and by phases of ambiences which are decorated of cosmic effects on a background of meditation and of this seraphic voice which gives a very oneiric depth to the universe of this very beautiful album of the Norwegian musician.
Beautiful and harmonious to the bone with phases of rhythm which sculpt crescendo full of emotion and arrangements which tickle the den of our emotions, I now understand very well why “
Planets” is described as being Sverre Knut Johansen's most beautiful album. And as I like all that is rather beautiful and melodious which can compete with the music of Vangelis, I have to admit that I got myself caught in the numerous traps of charms which are anchored in the universe of “Planets”. We are far from a complicated EM or a kind of Berlin School thirsty for black rhythms here. It's the very opposite! But that remains beautiful, very beautiful and that possesses all the charms of an EM which flirts skillfully with New Age without becoming a work bared of emotions.

Sylvain Lupari (August 17th, 2017)
synth&sequences.com
You will find this album on Sverre Knut Johansen Bandcamp page here


-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
C'est en écrivant la chronique sur Secret Space Program qu'un fan m'a mis au parfum au sujet de l'album “Planets”. Selon ses dires, il s'agissait du meilleur album de Sverre Knut Johansen. Sverre m'a gentiment fait parvenir cet album afin de valider l'engouement de cet admirateur. Mon premier contact avec “Planets” fut assez tiède. Et mon premier constat était que l'album nourrissait une armada de style qui voletait entre la Space Music à du New Age en passant par une bonne MÉ poussée par des séquenceurs et des percussions. La tentative suivante m'amena au même constat mais avec plus d'envoûtement dans les sens. Et finalement, j'ai fini par aimer cet album dont la texture sonore, la richesse musicale et la direction harmonieuse s’appuient sur deux ans de travail, “Planets” a été mijoté entre 2000 et 2002, avec un souci du détail qui témoigne de cette minutie chez Sverre Knut Johansen qui néglige rien, d'où un beau conte cosmique sur les planètes qui a été muri avec une vision qui égale le perfectionnisme du sympathique musicien Norvégien.
Une ambiance de cosmos ouvre les pénombres et permet à des arpèges de faire scintiller une petite mélodie aussi fragile que saisissante. Mélodiste hors-pair, qui est fortement inspiré et influencé par les arrangements de
Vangelis, Sverre Knut Johansen en dessine une superbe en ouverture de “Planets”. Un décor de jungle cosmique entoure cette délicatesse harmonique qui se visse bien solide dans le fond de nos tympans alors que le rythme ambiant de "Twin Sunrise" se militarise avec des percussions dont les roulements sculptent un superbe boléro cosmique. Un solide coup de départ qui met les oreilles en orbite. Surtout que "Planets I" se présente comme un digne successeur avec une approche très Tangerine Dream des années post TDI. Les percussions électroniques, d'un genre bongo, et les arrangements mélodiques du synthé dominent et sculptent une approche empreinte d'émotion. L'impact n'est pas aussi dominant qu'avec "Twin Sunrise" mais on se laisse facilement bercer par cette approche rythmique qui fait New Age très accessible. "Dreamspace Part I" est un autre très beau titre, si on aime ça quand mélodie et arrangement éthérés vont de pair, légèrement animé par ces percussions bongos qui parfument les rythmes de “Planets”. Le rythme est toujours en mode passif avec quelques explosions bien tempérées et tambourine délicatement sous un lit d'orchestrations à faire lever les poils dans le dos. Une voix Elfique vient susurrer à nos oreilles les délices d'un Éden cosmique alors que les arrangements, j'entends même un hautbois, sont superbement mélangés avec de bons effets cosmiques. Des effets qui sont encore plus omniprésents dans "In Orbit" dont la structure évolutive s'accroche à ces crescendos en mode Boléro qui animent les rythmes ambiants et circulaires de “Planets”. Il y a ici un beau duel synthé/guitare avec des solos mous et évasifs du synthé et incisifs et pénétrants pour la guitare de Eivind Aarset. "Nebulae" est plus en mode méditatif avec un synthé qui trace une approche mélodieuse sur les chants de baleines cosmiques. Les nappes de voix sont aussi sereines et enveloppantes que dans "Dreamspace Part I".
"
Planets II" met plus d'emphase sur les vocalises avec une approche nettement plus en mode opéra cosmique, genre Le 5ième Élément de Luc Besson. Le titre embrasse une phase plus rock lorsque cette voix opératique fait fondre ses fascinantes harmonies dans les solos d'une guitare plus en mode rock. Doux et poétique "Origins" est un très beau titre d'ambiances méditatives où l'on flotte à travers l'espace sur les géantes ailes d'un aigle intersidéral. Il y a beaucoup d'émotion et d'intensité dans ce titre où la musique d'ambiance est plus mélodieuse que tonale. "Apsis" flirte avec les frontières du New Age avec délicate mélodie soufflée sur un synthé un brin nasillard. Les percussions, toujours en mode tam-tam et bongo et parfois même militaire, accueillent cette berceuse larmoyante qui s'accroche à une intensité rythmique dont le point culminant est un bon rock électronique aussi lourd et que lent. Après cette brève incursion dans cet univers contemporain de Tangerine Dream, "Apsis" retourne à son lit méditatif où scintillent encore ces perles mélodieuses délicieusement éparpillées à la grandeur de “Planets”. On ne peut pas aimer ce qui est beau! Aussi agressif que mélodieux, "Planets III" éteint sa fougue dans de belles orchestrations. "Dreamspace Part II" conclut ce 6ième album de Sverre Knut Johansen avec une approche qui suit les préceptes de "Dreamspace Part I" mais avec plus de 12 minutes additionnelles qui servent à explorer un univers plus près de Code Indigo ou encore celui très symphonique de David Wright. Les 10 premières minutes sont très efficaces avec ces nappes de voix qui font duel à des attaques d'une six-cordes électrique vicieuse et dynamique. Le rythme croisse toujours dans son tissu de crescendo, alliant mélodie et intensité dans un décor cosmique bien imagé. Les 7 dernières minutes sont partagées entre des bribes de rythme et des phases d'ambiances ornées d'effets cosmiques sur fond de méditation et de cette voix séraphique qui donne une profondeur très onirique à l'univers de ce très bel album du musicien Norvégien.
Beau et harmonieux à l'os avec des phases de rythme qui sculptent des crescendos chargés d'émotions et des arrangements qui chatouillent le repaire de nos émotions, je comprends maintenant très bien pourquoi “
Planets” est décrit comme étant le plus bel album de Sverre Knut Johansen. Et comme j'aime tout ce qui est assez beau et mélodieux pour concurrencer avec la musique de Vangelis, je dois avouer que je me suis laisser prendre aux nombreux pièges de charmes qui sont ancrés dans l'univers de “Planets”. Nous sommes loin ici d'une MÉ compliquée ou d'un genre Berlin School assoiffé de rythmes noirs. C'est tout le contraire! Mais ça reste beau, très beau et ça possède tous les charmes d'une MÉ qui flirte habilement avec le New Age sans pour autant devenir une œuvre dénudée d'émotion.

Sylvain Lupari (17/08/2017)

dimanche 13 août 2017

PETER BAUMANN: Machines of Desire (2016)

“Let's be honest here; if Machines of Desire hasn't the name of Peter Baumann on it, a lot among us and among the different circles of EM would had shout a brilliant album”
The Blue Dream 5:53
Searching in Vain 5:37
Valley of the Gods 4:13
Echoes in the Cave 3:55
Ordinary Wonder 6:00
Crossing the Abyss 5:58
Dancing in the Dark 5:57
Dust to Dust 6:24

Bureau B | CD 124952 (CD 42:54) ****
(Classic Electronic Rock)
Did I have to speak about the coming back of Peter Baumann after more than a year that “Machines of Desire” has landed in the trays? Synonym of big expectations, both for this solo album as for this huge rumor which circulated regarding the possibility that he may joined the survivors of Tangerine Dream, the name of Peter Baumann was on all the lips in 2016. Besides this album, there were also the reeditions of the first 2 opuses which was made in November 2016. In brief, a lot of hubbub around the name of the one who had given as mission to democratize, of soften the strong angles of EM by exporting it on the American continent in 1984. The big question was to know what would be the musical direction of Peter Baumann. New Age or Synth-pop? Berlin School or New Age and Synth-pop? Well, having listened to it more than once these days, I would say that “Machines of Desire” is a nice fusion between the candy hymns of Transharmonic Nights and a bit of the boldness of Romance'76. And even if some pretend that this new album from Peter Baumann confirms that the one who left Tangerine Dream twice in the 70's hasn't really evolve, we cannot disagree because everything here inhales the structures of composition of Peter Baumann in that time. Me who had adored Transharmonic Nights, I however cannot complain. But a tiny more audacious bend here would certainly have countered the growing discontent of the dissatisfied ones. But at the end of line, this “Machines of Desire” is as beautiful as its pouch can be useless. I think this says it all! A beautiful honest album which is a kind of return home of the one that nobody waited for.
As if his imagination had not taken a wrinkle, a short woosh gets out of the oblivion to be punched by insistent knockings. Tears of synth squeal on a structure more percussive than rhythmic where the glaucous atmospheres wrap our senses like at the time of the
Dream's Dark Ambient zones. The rhythm is slow, theatrical and threatening. And suddenly, as coming out from nowhere, a melody sat on a synth in mode violins strings runs at a brisk pace like breakaways of a session of Vivaldi's 4 Seasons. "The Blue Dream" is the perfect opening to a comeback album with its catchy melody which jig between phases of dark moods. "Searching in Vain" seems to be a surviving title of the Transharmonic Nights sessions. The same goes for the slow, almost militarized rhythm, of "Ordinary Wonder". I like! And Peter Baumann raises himself on his music as the brilliant melodist that he is. These two small jewels precede two titles with doubtful and effective ambiences, "Valley of the Gods", one would imagine in Sorcerer but with a very fascinating rhythmic pattern and a splendid game of the sequencer. The line of bass bites this good electronic rock encircled by a melody from a shrill synth. "Echoes in the Cave", even with its melodious intro stolen to "The Blue Dream", stagnate in its ambiospherical cavern. This is another very good track filled of Sorcerer's sepulchral moods. After another introduction sculpted beneath the sign of dark ambiences, the rhythm of "Crossing the Abyss", which is rather light, is transported by a nice fight between a fluty synth and another one more whistler. I swim maybe in a total delirious, but I have this vague impression that The Keep guided the black atmospheres which roll all over the protean rhythms of “Machines of Desire”. The Keep and especially Legend for these moods of medieval dances, as in "Dancing in the Dark" which is well balanced between those great percussion designs, one of the many charms in this album, and its melody pinched on a little bit cold chords. The introduction of "Dust to Dust" is a small jewel of glaucous vibes. Throughout its evolution, we feel that the rhythm tries to conquer the ambiences. And when it happens, the circular movement of "Dust to Dust" drags us in a lively spiral where sings a wonderful synth solo always in mode harmonious seduction. Here, as everywhere in this last Peter Baumann's album, the percussions, the percussive effects and the sequencer unite their diversity to inflate rhythms which always keeps us a little bit speechless.
Glaucous atmospheres, melodies stylized in
Baumann signature and rhythms as surprising as very creative, “Machines of Desire” has all that it needs to satisfy those aficionados of EM and of course of Tangerine Dream, era 77 to 86. And if we are honest just a little bit; if the name of the artist wasn’t the one of Peter Baumann, more than a blogger-columnist or fan of EM would shout to genius here. A great album that I found a little too short, considering the fact that it took 33 years of maturation. And 33 years is very long to wait. I hope that Peter Baumann took good note of that. Because he is still very talented.

Sylvain Lupari (August 13th, 2017)
synth&sequences.com
-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
Devais-je parler du retour de Peter Baumann après plus d'un an que “Machines of Desire” ait atterri dans les bacs? Synonyme de grosses attentes, tant pour cet album solo que pour cette énorme rumeur qui circulait à l'effet qu'il rejoignait les rescapés du vaisseau musical Tangerine Dream, le nom de Peter Baumann était sur toutes les lèvres en 2016. En plus de cet album, il y avait aussi les rééditions de ses 2 premiers opus qui s'est effectué en novembre 2016. Bref, beaucoup de brouhaha autour du nom de celui qui s'était donné comme mission de démocratiser, d'adoucir les angles robustes de la MÉ en l'exportant sur le continent américain en 1984. La grosse question était de savoir quel serait la direction musicale de Peter Baumann. New Age ou Synth-Pop? Berlin School ou New Age et Synth-Pop? Eh bien, après l'avoir écouté plus d'une fois ces temps-ci, je dirais que “Machines of Desire” est une fusion entre les hymnes bonbons de Transharmonic Nights et les quelques audaces de Romance'76. Et même si certains prétendent que “Machines of Desire” confirme que celui qui a quitté Tangerine Dream à 2 reprises dans les années 70 n'a pas réellement évolué, on ne peut être en désaccord car tout ici respire les structures de composition de Peter Baumann à cette époque. Moi qui ait adoré Transharmonic Nights, je ne peux me plaindre. Mais un petit détour plus audacieux aurait certainement contré la grogne des mécontents. Mais en bout de ligne, “Machines of Desire” est aussi beau que sa pochette peut être inutile. Un bel album honnête qui est une sorte de retour au bercail de celui que personne n'attendait.
Comme si son imagination n'avait pas pris une ride, un bref woosh sort du néant pour se faire ramasser par des cognements insistants. Des larmes de synthé crissent sur une structure plus percussive que rythmique où les ambiances glauques enveloppent nos sens comme à l'époque du Dark Ambient du Dream. Le rythme est lent, théâtrale et menaçant. Et soudain, comme sortie de nulle part, une mélodie arquée sur un synthé en mode cordes de violons roule à vive allure comme échappée d'une session des 4 saisons de Vivaldi. "The Blue Dream" est l'ouverture parfaite à un album retour avec sa mélodie accrocheuse qui gigue entre des pans d'ambiances ténébreuses. "Searching in Vain" semble être un titre rescapé des sessions de Transharmonic Nights. Idem pour le rythme lent, quasiment militarisé, de "Ordinary Wonder". Moi j’aime! Et Peter Baumann se dresse sur sa musique comme un mélodiste hors-pair qu'il est effectivement. Ceux deux petits joyaux précèdent deux titres aux ambiances douteuses et efficaces en "Valley of the Gods", on se croirait dans Sorcerer mais avec une rythmique très captivante et un superbe jeu du séquenceur. La ligne de basse mord ce bon rock électronique ceinturé d'une mélodie d'un synthé criard. "Echoes in the Cave", même avec son intro mélodieuse dérobée à "The Blue Dream", stagne dans sa grotte ambiosphérique. C'est un bon titre d'ambiances sépulcrales à la Sorcerer. Après une autre introduction sculptée sous le signe d'ambiances ténébreuses, le rythme de "Crossing the Abyss", tout de même assez léger, est transporté par une belle lutte entre un synthé flûté et un autre plus siffloteur. Je nage peut-être en plein délire, mais j'ai comme cette vague impression que The Keep a guidé les ambiances noires qui tournent autour des rythmes protéiformes de “Machines of Desire”. The Keep et surtout Legend pour ces ambiances de danses médiévales, comme dans "Dancing in the Dark" qui est bien balancé entre ses très bonnes percussions et sa mélodie pincée sur des accords un peu froids. L'introduction de "Dust to Dust" est un petit bijoux d'atmosphères glauques. Tout au long de son évolution, nous sentons que le rythme cherche à conquérir les ambiances. Et lorsque ça arrive, le mouvement circulaire de "Dust to Dust" nous entraîne dans une spirale enlevante où chante un superbe de beau solo de synthé toujours aussi en mode séduction harmonique. Ici, comme partout dans ce dernier album de Peter Baumann, les percussions, les effets percussifs et le séquenceur unissent leur diversité afin de gonfler des rythmes qui nous reste toujours un peu bouche bée.
Ambiances glauques, mélodies stylisées dans la signature Baumann et des rythmes aussi surprenants que très créatifs, “Machines of Desire” a tout ce qu’il faut pour plaire aux fans de la MÉ et de Tangerine Dream, période 77 à 86. Et restons honnête, si le nom de l'artiste serait autre que celui de Peter Baumann, plus d'un blogueur-chroniqueur ou amateur de MÉ crierait au génie. Très bon et je dirais même trop court. Mais 33 ans c'est très long comme attente. J'espère que Peter Baumann en a pris bonne note….

Sylvain Lupari 12/08/2017

samedi 12 août 2017

PETE FARN: Noodle+ (2017)

“Noodle+ is above all for the aficionados of noisy vibes where the art to create music is not the priority in the world of Pete Farn”
1 Knospensprünge 4:32
2 Im Sumpf 5:30
3 Metallregen 4:05
4 Dickicht 3:25
5 Luftbewegung im Unterholz 4:01
6 Klangfluss 10:10
7 Schönklangs Farbreise 13:08
8 Elia 8:12
9 Spechtus 7:08

SynGate-Luna | CD-r pf16 (DDL/CD-r 60:13)
(Experimental and abstract music)

For the synth users, the term Noodle means all these threads which hang and which connect in the inputs or outputs of other EM components. A mishmash of threads and cables which seems to us to be like the equivalent of a mini Babel tower so much that the intertwine of wires looks like a crossroad without ending. But for Peter Schaefer, this mess of electronic wires is far from being a heap of noodles in an immense plate of spaghetti. And those who know the sound fantasies of this master of abstract music understand at once where I am getting at. The vision that we have of these wires serves marvelously the fruits of the imagination, always very overflowing, of Pete Farn who offers us in “Noodle+” an album as perplexing as very difficult to ingest. An album where the noises and the atmospheres of a dead EM, not electronic effects, have precedence on an approach which began to be a bit more accessible with the album Aus-Flug  which was released to the end of 2016.
"
Knospensprünge" attacks literally our ears with a structure as much noisy as a guitarist who uses his fuzz wah-wah for the first time in the disorder of his room. The sounds spring in all forms with a shadow which croaks in a sound jumble where we imagine easily the hubbub behind ill-matched noodles of a synth. You were patient? And for little that we like these harmonies which are quite pale behind a wall of boisterous vibes, "Im Sumpf" is a title rather relaxing where is lying a delicate and shy melody strummed on a piano. The ambiences are a bit theatrical, kind of horror, with a specter which regurgitates its last sentence in the harmonies scattered from a piano and a bass in mode Jazz. "Metallregen" brings us back in the core of the sanctum of the sonic beast without charms. The title begins in mode ambient before colliding a wall of sounds as unappetizing as a plate of cold spaghettis. I look like a repulsive being? No, rather of an adviser for those who tries to understand the Pete Farn phenomenon! In fact, I like this universe, but in small doses, because Peter Schaefer peels the reach of the sounds like an architect who sees decorations with another eye. If there are more difficult titles, as "Knospensprünge", "Dickicht" and "Luftbewegung im Unterholz", even with its spasmodic tune, the music of Peter Schaefer stays a crossing between that of Centrozoon, percussions and guitar less, and Perceptual Defence for the avant-gardist and ambiosonic approach. Regarding that, "Klangfluss" is simply delicious. By far the best track in “Noodle+”. Always in a contemplative mode, "Schönklangs Farbreise" is a little noisier on the other hand than "Klangfluss". But these 2 long titles remain the most accessible in the universe of “Noodle+”. Even in a tissue of atmospheres as floating and heterogeneous as these last 2 titles, "Elia" stays a puddle of noises which eventually irritates with acute rustlings and monotonous voices of which the only quality is to be out of the decoration. I'm a little torn regarding "Spechtus". The moods are rather inviting, but the sounds and noises are also charming as a source of exasperation. It's pure Centrozoon, in order to well situated the reader, with a fascinating, I have to admit, chant of mechanical locusts in a night where the fauna of sleepless insects unites its stridulations in an ambience of wandering percussions.
Offered on the Bandcamp platform of SynGate Records, as well as in manufactured CD-r, “Noodle+” is above all for the aficionados of noisy vibes where the art to create music is not the priority in the world of
Pete Farn. For the audacious and the curious! I won't rank it, because it’s not quite my style.

Sylvain Lupari (August 12th, 2017)
synth&sequences.com
You will find this album on the SynGate Bandcamp page here

-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
Pour les utilisateurs de synthé, le terme Noodle signifie tous ces fils qui pendent et qui rejoignent les entrées et sorties des autres composantes du synthé. Un micmac de filage qui nous semble être l'équivalent d'une mini tour de Babel tant l'entremêlement des fils est un carrefour sans issu. Mais pour Peter Schaefer, cet embrouillamini de fils est loin d'être un amas de nouilles dans une immense assiette de spaghetti. Et ceux qui connaissent les fantaisies sonores de ce maître de la musique abstraite comprennent tout de suite où je veux en venir. La vision que nous avons de ces fils sert à merveille les fruits de l'imagination, toujours très débordante, de Pete Farn qui nous offre en “Noodle+” un album aussi déroutant que très difficile à ingérer. Un album où les bruits et les ambiances d'une MÉ sans vie ont préséance sur une approche qui commençait à être un brin plus accessible avec l’album Aus-Flug (Opera's Space) qui est paru à la fin 2016.
"
Knospensprünge" attaque littéralement nos oreilles avec une structure aussi bruiteuse qu'un guitariste qui utilise son fuzz wah-wah dans le désordre de sa chambre. Les sons jaillissent sous toutes formes avec une ombre qui croasse dans un micmac sonore où on imagine aisément le brouhaha derrière les nouilles mal assorties d'un synthé. Vous avez été patient? Et pour un peu que l'on aime ces harmonies qui sont toutes pâlottes derrière une muraille d'ambiances bruiteuses, "Im Sumpf" est un titre plutôt relaxe où git une délicate et timide mélodie pianotée. Les ambiances sont un brin théâtrale, genre horreur, avec un spectre qui régurgite sa sentence dans les harmonies éparpillées d'un piano et d'une basse en mode Jazz. "Metallregen" nous replonge au cœur de la tanière d'une bête sonore sans charmes. Le titre débute en mode ambiances avant de percuter un mur de sons aussi peu appétissant qu'une assiette de spaghettis froids. J'ai les apparences d’un être rébarbatif? Non, plutôt aviseur pour ceux qui cherche à comprendre le phénomène Pet Farn! En fait, j'aime bien cet univers, mais à petites doses, car Peter Schaefer décortique la portée des sons comme un architecte qui revoie les décors avec un autre œil. S'il y a des titres plus difficiles, comme "Knospensprünge", "Dickicht" et "Luftbewegung im Unterholz", même avec son refrain spasmodique, la musique de Peter Schaefer reste un croisement entre celle de Centrozoon, percussions et guitare en moins, et Perceptual Defence pour l'approche avant-gardiste et ambiosonique. À cet égard, "Klangfluss" est tout simplement délectable. De loin le meilleur titre sur “Noodle+”. Toujours en mode contemplatif, "Schönklangs Farbreise" est par contre un peu plus bruyant que "Klangfluss". Mais ces 2 longs titres restent les plus accessibles de l'univers “Noodle+”. Même dans un tissu d'ambiances aussi flottantes et hétéroclites que ces 2 derniers titres, "Elia" reste une mare à bruits qui finit par irriter avec des crissements aigus et des voix monocordes dont la seule qualité est de sortir du décor. Je suis un peu déchiré en ce qui concerne "Spechtus". Les ambiances sont assez invitantes, mais les sons et les bruits sont aussi charmeurs que source d'exaspération. C'est du pur Centrozoon, afin de mieux situer le lecteur, avec un fascinant, je dois admettre, chant de criquets mécaniques dans une nuit où la faune d'insectes insomniaques unit ses stridulations dans une ambiance de percussions errantes.
Offert sur la plateforme Bandcamp de
SynGate Records, ainsi qu'en format CD-r, “Noodle+” s'adresse avant tout aux amateurs d’ambiances bruiteuses où l'art de créer de la musique passe en second plan dans l'univers de Pete Farn. Pour les audacieux et les curieux! Pas d'étoiles car ce n'est pas tout à fait mon genre!
Sylvain Lupari 11/08/2017

jeudi 10 août 2017

SEQUENTIA LEGENDA: Ethereal (2017)

“A true lover of Klaus Schulze music, Sequentia Legenda goes beyond in his quest to reproduce the essence of retro Berlin School with this exquisite Ethereal. A must!”
1 Stratums of Seraphic Voices 26:28
2 Around the Second Moon 22:45
3 Elevation 20:36

Sequentia Legenda Music (DDL 69:49) ****
(Schulze style Retro Berlin School)
A splendid synth layer sculpted in ether spreads its wavering horizons and anchors "Stratums of Seraphic Voices" very solidly at the bottom of our eardrums. The percussions which follow adopt a charmingly hypnotic pace. A pace that several will recognize in the one that Klaus Schulze exposed in 77, with the Body Love album and the track Nowhere - Now Here, but in a clearly slower structure and a more morphic one. Built around 3 long tracks with slow minimalist evolutions, “Ethereal” is an album conceived in homage to the legendary Moog Modular and by ricochet to Klaus Schulze and his musical mirages. And digging for those delicious perfumes of the old days which rocked and flooded our ears for a too short period of time, Laurent Schieber signs here an album more than seducing which respects this will of Sequentia Legenda to recreate the atmospheres of retro Berlin School. In its minimalist envelope, holed of beautiful nuances which amplify the charms of the ethereal voices, "Stratums of Seraphic Voices" presents an intrusive structure with a pace which wins subtly in velocity and clearly more aggressive percussions. From its anesthetic shape, the music became more lively with a good game of the percussions and with cosmic effects from a synth which is more discreet at the level of the solos, there is none, but which is also more generous at the level of the textures of voices and layers filled of soft fragrances of ether. About 30 minutes on a minimalist morphic theme which ran out without any feeling of lassitude! There was only Klaus Schulze to make a success of such exploit. Laurent Schieber does as the master and this to perfection.
"Around the Second Moon" is a superb title which shows that Sequentia Legenda doesn't feed his repertoire by imitating systematically Klaus Schulze. Always in a minimalist approach, the music skips slightly in a deliciously organic and stroboscopic form. This a little bit unusual rhythmic loop is fed of effects which squeak and which vacillate in mini circular structures and in immense anesthetic layers. The tempo is structured on tom-tom percussions among which the beatings, which never run out, go to the opposite sense of the perpetual loops which are still squeaking. The percussions inject a vibe of acid electronic rock at the gate of the 7th minute. These percussions pull the hypnotic rhythm of "Around the Second Moon" towards an even more explosive tangent after the 13th minute point. Between these phases, Sequentia Legenda decorates his music of various effects and of layers always so foggy. Besides, this last very puzzling phase and the movement of the sequences which squeak literally remind me in of the track The Who in Won't Get Fooled Again. A delight for those who like when that rocks! This wild movement loses of its swiftness towards the 17th minute by being swallowed and smothered by a seraphic choir. And beneath a dense nebulosity of those huge layers of voices, the sleeping beat seeks always to be reanimated. I found that as much good than beautiful and original. "Elevation" brings us back to the Moondawn period of Klaus Schulze with huge shoals of fog and of faded voices which enclose a structure which always gets vivificated beneath the embraces of sedative layers. There is storm below these layers. A storm arisen from the percussions of which the keen and heavy rollings are forced to the anonymity, so much the strength of the shoals injects continually an anesthetizing effect in a rhythmic which doesn't stop hammering its mute revolt. It's around at the 14th minute that "Elevation" gets loosens from the layers of mist and voices, drifting into a superb rhythmic debacle worthy of the great master of analog rhythms and sounds who is also at the origin of Sequentia Legenda's music. I am not certain, but I believe to hear the whistling of a synth roaming towards the finale. And it's the only slight drawback to this wonderful music of “Ethereal”; the lack of synth solos. As soon as Laurent Schieber will be less hampered and will be free of any constraints, his music will shine in the firmament of the big names of EM. But that doesn't change the fact to “Ethereal” is a great journey in the time of the analog. Offered on real CD in a nice Digipack as well as in a download format, “Ethereal” is a must to all fans of Klaus Schulze, era 76-77.

Sylvain Lupari (August 10th, 2017)
synth&sequences.com
You will find this album on the Sequentia Legenda Bandcamp page here
-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
Une splendide nappe de synthé sculptée dans l'éther étend ses horizons vacillants et ancrent "Stratums of Seraphic Voices" bien solidement au fond de nos tympans. Les percussions qui suivent épousent une cadence délicieusement hypnotique. Une cadence que plusieurs reconnaîtront en celle que Klaus Schulze dévoilait en 77, avec l'album Body Love et le titre Nowhere - Now Here, mais dans une structure nettement plus lente et ainsi plus morphique. Construit autour de 3 longs titres aux lentes évolutions minimalistes, “Ethereal” est un album conçu en hommage au légendaire Moog Modular et par la bande à Klaus Schulze et ses mirages musicaux. Et puisant dans ces exquis parfums d'antan qui ont bercé et inondé nos oreilles pour une trop courte période de temps, Laurent Schieber signe ici un album plus que séduisant qui respecte cette volonté de Sequentia Legenda pour recréer les ambiances de la Berlin School rétro. Dans son enveloppe minimaliste, percée de belles nuances qui amplifient les charmes des voix éthérées, "Stratums of Seraphic Voices" présente une structure envahissante avec une cadence qui gagne subtilement en vélocité avec des percussions nettement plus agressives. De sa forme anesthésiante, la musique est devenue plus vivante avec un bon jeu des percussions et les effets cosmiques d'un synthé qui se fait plus discret au niveau des solos, il n'y en a aucun, mais qui est aussi plus généreux au niveau des textures de voix et des nappes aux doux parfum d'éther. Près de 30 minutes sur une thématique minimaliste morphique qui s'épuisent sans sentiment de lassitude! Il n'y avait que Klaus Schulze pour réussir pareil exploit. Laurent Schieber fait comme le maître et à la perfection.
"Around the Second Moon" est un superbe titre qui démontre que Sequentia Legenda ne nourrit pas son répertoire en imitant systématiquement Klaus Schulze. Toujours dans une approche minimaliste, la musique sautille légèrement dans une forme savoureusement organique et stroboscopique. Cette boucle rythmique peu coutumière est nourrie d'effets qui couinent et qui vacillent dans des mini structures circulaires et dans d'immenses nappes anesthésiantes. Le tempo est structuré sur des percussions tam-tam dont les battements, qui ne s'épuisent jamais, vont dans le sens contraire des sempiternels boucles couineuses. Les percussions injectent une ambiance de rock électronique acide autour de la 7ième minute. Ces percussions entraînent le rythme hypnotique de "Around the Second Moon" vers une tangente encore plus explosive après la 13ième minute. Entre ces phases, Sequentia Legenda orne sa musique de différents effets et de nappes toujours autant brumeuses. Par ailleurs, cette dernière phase très déroutante et le mouvement des séquences qui couinent me font littéralement penser à The Who dans Won't Get Fooled Again. Un délice pour ceux qui aiment quand ça brasse! Ce mouvement endiablé perd de sa vélocité vers la 17ième minute en étant absorbé et étouffé par une chorale séraphique. Et sous la dense nébulosité de ces immenses nappes de voix, le rythme endormi cherche toujours à se réanimer. J'ai trouvé ça aussi bon que beau et qu'original. "Elevation" nous ramène dans la période Moondawn de Klaus Schulze avec d'énormes bancs de brouillard et de voix éteintes qui enserrent une structure qui se vivifie toujours plus sous les étreintes des nappes sédatives. Il y a tempête sous ces nappes. Une tempête née des percussions dont les vifs et lourds roulements sont contraint à l'anonymat, tant la force des bancs injecte toujours un effet anesthésiant à une rythmique qui ne cesse de marteler sa sourde révolte. C'est autour de la 14ième minute que "Elevation" se détache des nappes de brume et de voix, voguant sur une superbe déroute rythmique digne du grand maître des rythmes et des sons analogues qui est à l'origine de la musique de Sequentia Legenda. Je ne suis pas certain, mais je crois entendre des sifflements d'un synthé errant vers la finale. Et c'est le seul petit bémol à la superbe musique de “Ethereal”; le manque de solos de synthé. Dès que Laurent Schieber sera moins gêné et sera libre de toutes contraintes, sa musique brillera au firmament des grands noms de la MÉ. Mais ça n'enlève rien à “Ethereal” qui est un excellent voyage dans le temps de l'analogue. Offert en CD manufacturé et dans un bel emballage Digipack, ainsi qu'en format téléchargeable, “Ethereal” est un must pour les fans de Klaus Schulze, périodes 76-77.

Sylvain Lupari 10/08/2017

mardi 8 août 2017

NEURONIUM: Lysergic Dream (2017)

“You have to love music to love Lysergic Dream! You have to love an audacious and meditative music”
1 Protonebula (Crossing the Wall) 22:07
2 Lysergyca 8:57
3 Mental Hideaway 10:33
4 Hauntingly Beautiful Visions 16:20
5 Unusual Road to Donsak 9:12
6 Ephymera 5:28
7 Jump to Infinity 3:47

Neuronium Music (CD 76:22) ****
(Ambient and new Pscychotronic EM)
Neuronium! Who doesn't know Neuronium? One of the oldest artists/bands in EM, Neuronium is the electronic psychotronic rock side of Michel Huygen who has a solo career as much productive, in a kind of more meditative music, than his project of band which gets dissolved with years to become finally also a solo project. “Lysergic Dream” is in the lineage of Jamais Vu with its full of contemplative music of which the rights for cerebral wanderings are besmirched by some prettily convoluted structures of rhythm. And how goes our friend Michel? Well I would say that even after 32 albums under the sign of Neuronium and 20 solo albums, our Spanish Edgar Froese has not only something interested to propose, he redefines the borders of Neuronium, a little like Digital Dream did in 1980, with an approach, both at the level of the sound and of the structure of composition, which transcends his own sound horizons and which gives a second breath to his music, if not to EM.
"
Protonebula (Crossing the Wall)" leads us to this analysis as soon as the first notes of a synth guitar are piercing a soft fog poisoned by orchestral layers which float like a waltz with as companion some electronic noises, as organic than futurist. Beautiful angelic voices begin to hum some 120 seconds after the opening of "Protonebula (Crossing the Wall)". We float on the wings of Vangelis here with very good orchestrations and layers of voices which pull more and more at these hairs' arms which bristle as soon as the thread of our emotions wakes up. Everything is very quiet, almost as in a pension for forsaken souls in search of mercy. The false guitar scatters its pinched notes and its riffs running in this fabulous union between tears of violins and of voices. We wait for an explosion here, but it's rather another hyper meditative phase which floats in the air with a superb celestial voice which expiates harmonies without words. It's around the 15th minute that the rhythm section of "Protonebula (Crossing the Wall)" awakes. And as much to say it straightaway, it's the first time that my ears meet such a structure. A movement of the sequencer throws ethereal rhythmic loops and the synth regurgitates fat chords which spread a fascinating slow and circular structure of rhythm. Synth layers, filled with orchestrations in the tones of the Dream of the 80's, decorate this strange structure which is now fed by percussions filled with vaporous metallic effects. Not lively for two cents, but not necessary a food for meditation, this structure of organic as electronic rhythm breathes such as a big monster which remains curled up in its den of atmospheres. Only the last minutes of "Protonebula (Crossing the Wall)" proposes a pure and hard rhythm with a lively movement of the sequencer which makes a series of keys spin like these structures of rhythm without gasoline for the feet of the analog years. Troubling and effective, "Protonebula (Crossing the Wall)" sets the tone to an album which is definitely not for timorous ears. You have to love music. You have to love an audacious and meditative music.
"
Lysergyca" approaches our ears with some electronic noises which are attracted by beautiful orchestral layers. If the music is purely of ambiences, its delicacy and the way Michel Huygen is doing to make us float are pure elixirs against stress, against the agitation of the senses. His delicate fingers draw movements of ethereal waltz where our soul derives to the sound of these astral harmonies. On this album, Michel Huygen has strolled in heavens with his notebook in order to gather the most beautiful voices of angels and set up a wonderful angelic choir. The small concerto which charms our ears around the 7th minute is an obvious proof. Quiet, very quiet "Lysergyca" opens a door on melancholy which continues on the very beautiful and soft "Mental Hideaway" where Neuronium has never sounded so much like Vangelis, and the very poignant "Hauntingly Beautiful Visions" among which the 16 minutes of purely ambient structure will never have seemed long. After these units of meditative music, "Unusual Road to Donsak" comes to put the disorder with a structure livened up by a will to seduce these ears difficult to fill and who were seduced by this complex movement of "Protonebula (Crossing the Wall)". This is some very creative rhythm! "Ephymera" is another morphic and meditative structure. We expect the same thing with "Jump to Infinity" and its opening which is coated by a Gregorian chant. Except that Michel Huygen likes to amaze and to surprise us. It's thus with a very beautiful electronic rhythm, borrowed to the Franke, Froese & Schmoelling years, that "Jump to Infinity" feed our ears of nostalgia and completes a surprising album which does a break in time to make a jump which will exceed it.

Sylvain Lupari (August 8th, 2017)
synth&sequences.com
You will find this album on CD Baby and or Neuronium web page here

-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
Neuronium! Qui ne connait pas Neuronium? Un des plus vieux artistes/groupes de MÉ, Neuronium est le côté rock électronique psychotronique de Michel Huygen qui a une carrière solo tout aussi productive, dans un genre de musique méditative, que son projet de groupe qui s'est dissout avec les années pour finalement devenir aussi un projet en solo. “Lysergic Dream” est dans la lignée de Jamais Vu avec son plein de musique contemplative dont les droits à l'errance cérébrale sont bafoués par des structures de rythme joliment alambiquées. Et comment se porte notre ami Michel? Eh bien je dirais que même après 32 albums sous le signe de Neuronium et 20 albums solo, notre Edgar Froese espagnol a non seulement quelque chose d'intéressant à proposer, il redéfinit les frontières de Neuronium, un peu comme Digital Dream l'avait fait en 1980, avec une approche, tant au niveau du son que de la structure de composition, qui transcende ses propres horizons soniques et qui donne un second souffle à sa musique, sinon à la MÉ.
"Protonebula (Crossing the Wall)" nous amène à ce constat dès que les premiers accords d'une guitare synthétisée percent un doux brouillard intoxiqué de nappes orchestrales qui flottent comme une valse avec comme compagnon des bruits électroniques aussi organiques que futuristes. De belles voix angéliques se mettent à fredonner quelque 120 secondes après l'ouverture de "Protonebula (Crossing the Wall)". Nous flottons sur les ailes de Vangelis ici avec de belles orchestrations et des nappes de voix qui tirent de plus en plus sur ces poils de bras qui hérissent dès que le fil de nos émotions s'éveille. Tout est très calme, quasiment comme dans une retraite pour âmes esseulées à la recherche de miséricorde. La fausse guitare éparpille ses notes pincées et ses riffs courant dans cette fabuleuse union entre larmes de violons et de voix. On attend une explosion mais c'est plutôt une autre phase hyper méditative qui flotte dans les airs avec une superbe voix céleste qui expie des harmonies sans paroles. C'est autour de la 15ième minute que la section rythmique de "Protonebula (Crossing the Wall)" s'éveille. Et autant vous le dire d'emblée, c'est la première fois que mes oreilles croisent une telle structure. Un mouvement du séquenceur lance des boucles éthérées et le synthé régurgite des accords gras qui répandent une fascinante structure de rythme lente et circulaire. Des nappes de synthé, remplies d'orchestrations aux tonalités du Dream des années 80, ornent cette étrange structure qui est maintenant nourrie par des percussions bourrées d'effets métalliques vaporeux. Pas entraînant pour deux sous, mais pas nécessairement une nourriture à la méditation, cette structure de rythme autant organique qu'électronique respire comme un gros monstre qui reste recroquevillé dans sa tanière d'ambiances. Seules les dernières minutes de "Protonebula (Crossing the Wall)" proposent du rythme pur et dur avec un mouvement vif du séquenceur qui fait virevolter une série d'ions comme ces structures de rythme sans essence pour les pieds des années analogues. Troublant et efficace, "Protonebula (Crossing the Wall)" donne le ton à un album qui n'est pas à une surprise près. Il faut aimer la musique. Il faut aimer une musique méditative et audacieuse.
"Lysergyca" aborde nos oreilles avec des bruits électroniques qui sont attirés par de belles nappes orchestrales. Si la musique est purement d'ambiances, sa délicatesse et la façon dont Michel Huygen s'y prend pour nous faire flotter sont de purs élixirs contre le stress, contre l'agitation des sens. Ses doigts délicats dessinent des mouvements de valse éthérée où notre âme dérive au son de ces harmonies astrales. Sur cet album, Michel Huygen s'est promené dans les cieux avec son calepin de notes afin de réunir les plus belles voix angéliques et mettre sur pied une superbe chorale d'anges. Le petit concerto qui charme nos oreilles autour de la 7ième minute en est une preuve évidente. Tranquille, très tranquille "Lysergyca" ouvre une porte sur la mélancolie qui se poursuit sur le très beau "Mental Hideaway" où Neuronium n'aura jamais autant sonné comme Vangelis, et le très poignant "Hauntingly Beautiful Visions" dont les 16 minutes de structure purement ambiante n'auront jamais paru longues. Après ces cellules de musique méditative, "Unusual Road to Donsak" vient foutre le désordre avec une structure animée d'une volonté de séduire ces oreilles difficiles à combler et qui ont été séduites par ce mouvement complexe de "Protonebula (Crossing the Wall)". Du rythme créatif! Ça fait du bien à entendre. "Ephymera" est une autre structure morphique et méditative. On s'attend à la même chose avec "Jump to Infinity" et son ouverture qui est nappée d'un chant grégorien. Sauf que Michel Huygen aime nous étonner et nous surprendre. C'est donc avec un très beau rythme électronique, emprunté aux années Franke, Froese et Schmoelling, que "Jump to Infinity" nourri nos oreilles avec nostalgie et complète un étonnant album qui fait une pause dans le temps afin de faire un bond qui le dépassera.

Sylvain Lupari (08/08/2017)

samedi 5 août 2017

INDRA: Archives-Gold Five (2015)

“This last album of the Gold series picked in the final remainders can be a delight to all the ears, but not to all at the same time”
1 Luminous Vortex 23:32
2 Zygurath 8:54
3 The Tale of a Lonely Shepherd 8:24
4 Alcyone 16:14
5 Secretly, Ona 22:14
Indra Music (CD&DDL 79:20) ***½
(Berlin & Roumanian School)

Like a 3rd treasure chest which eventually dries up of its wonderful discoveries, this last album of the Gold series picked in the final remainders can be a delight to all the ears, but not quite at the same time.
"Luminous Vortex" begins with a movement of the sequencer which forges a line galloping such as a troop of astral horses. In a structure always minimalist adorned of fragile variances, the rhythm takes a more dynamic tangent and unfolds a 2nd line of sequence which fight in a universe painted of ether. Stroboscopic thin lines get in and bounce in a discreet approach while the rhythm of "Luminous Vortex" weakens in order to approach a more ambiospherical phase. In fact, throughout the 23 minutes of "Luminous Vortex" the structure evolves with simply surprising phases, as in the 5th minute which is hyper melodious and rather melancholic, and others which melt themselves in an approach of light dance imposed by percussions of a tap-dancing type and by stroboscopic strands sculptured in a psychedelic vision, as in the 10th minute. Playing constantly on the roles of his rhythms,
Indra keeps his listener on the alert by merging phases which loop their loops and ultimately loops the wide loop of rhythms which is "Luminous Vortex". I liked it a lot, but I'm known as being a fan of structures as homogeneous as asymmetric. More coherent, the structure of "Zygurath" seems to bite into the one which has introduced the opening of "Luminous Vortex" but with sequences which cut out the ambiences with more mordant. Moreover, everything turns around this good movement of the sequencer which draws a lively rhythmic pattern, adorned with some variances, under a discreet soundscape which is multicolored by some well scattered effects, so giving free rein to this hypnotically spasmodic rhythm. Every CD of this collection hides a wonderful pearl. Here it's "The Tale of a Lonely Shepherd" which is a marvelous lunar ballad. The rhythm is soft, languishingly slow. Pecked by sober and late percussions, it swirls like a carousel illuminated by delicate arpeggios which sing and glitter in the chants watered of a morphic melancholy of the synth. I adore!
"
Alcyone" is a long movement of ambiences sculpted in breezes as well mysterious as very tenebrous. Decorated with beautiful layers, sometimes orchestral and more often cosmic, which float as much as sing and of these small carillons so soft of the Indra universe, this long trip in the cosmos is a very meditative music which it's required to listen carefully in order to perceive its delicate fragility. It's some very serene and meditative Indra who whispers us his beautiful music soaked of strong emotions into our ears. With its soft rhythm, the first part of "Secretly, Ona" is my real crush on this “Gold Five”. The hypnotic game of the percussions attracts us irreparably in this interstellar universe where are sparkling a variety of noises, as cosmic as organic. And it's all the charm of this long title that exploits admirably its bed of sober but really fascinating percussions. The 11 first one minutes are simply brilliant with these methodical beatings which support a very good game of sequences which spreads its keys into soft stroboscopic strands. These beatings decrease the pace by remaining very discreet in the last 10 minutes which are filled by cosmic effects and anesthetic layers. Shortened of five or six minutes and that will be a real jewel in this series. A way as another to conclude this 3rd chapter of this impressive collection of the Archives series which continues its musical road with another section of 5 albums entitled Diamond and whose action takes place at the door of 2010.

Sylvain Lupari (August 5th, 2017)
synth&sequences.com
You will find this album on Indra Bandcamp here
-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
Comme un 3ième coffre aux trésors qui finit par se tarir de ses merveilleuses découvertes, ce dernier album de la série Gold puise dans des restants qui peuvent délecter toutes les oreilles mais pas toutes en même temps.
"
Luminous Vortex" débute avec un mouvement du séquenceur qui déploie une ligne galopant comme une horde de chevaux astraux. Dans une structure toujours minimaliste agrémentée de fragiles variances, le rythme prend une tangente plus dynamique et étend une 2ième ligne de séquence qui se combattent dans un univers peint d’éther. Des filaments stroboscopiques déroulent une approche discrète alors que le rythme de "Luminous Vortex" se fragilise pour approcher une phase plus ambiosphérique. En fait, tout au long des 23 minutes de "Luminous Vortex" la structure évolue avec des phases tout simplement renversantes, comme à la 5ième minute qui est hyper mélodieuse et mélancolique, et d’autres qui se fondent dans une approche de danse légère imposée par des percussions d’un type claquette et des filaments stroboscopiques sculptée dans une vision psychédélique, comme à la 10ième minute. Jouant constamment sur les rôles de ses rythmes, Indra tient son auditeur en alerte en fusionnant des phases qui au final bouclent leurs boucles et ultimement boucle la large boucle de rythmes qu’est "Luminous Vortex". Moi j’ai aimé, mais je suis reconnu comme étant un adepte des structures autant homogène qu’asymétrique. Plus cohérente, la structure de "Zygurath" semble mordre dans celle qui initiait l’ouverture de "Luminous Vortex" mais avec des séquences qui hachurent les ambiances avec plus de mordant. D’ailleurs tout tourne autour de ce bon mouvement du séquenceur qui trace une rythmique vive, parée de quelques variances, sous un horizon sonique discret et bariolé de quelques effets bien éparpillés, donnant ainsi libre cours à ce rythme hypnotiquement spasmodique. Chaque CD de cette collection cache une merveilleuse perle. Ici c’est "The Tale of a Lonely Shepherd" qui est une splendide ballade lunaire. Le rythme est mou, langoureusement lent. Picoré par de sobres percussions tardives, il tournoie comme un carrousel illuminé par de délicats arpèges qui chantent et miroitent dans les chants arrosés de mélancolie morphique du synthé. J’adore!
"
Alcyone" est un long mouvement d’ambiances sculptées dans des brises aussi mystérieuses que ténébreuses. Ornée de belles nappes, tantôt orchestrales et plus souvent cosmiques, qui flottent autant que chantent et de ces petits carillons si tendres de l’univers Indra, cette longue virée dans le cosmos est une musique très méditative qu’il faut écouter attentivement afin d’y percevoir sa délicate fragilité. C’est du beau Indra très serein et méditatif qui nous susurre sa belle musique imprégnée de belles émotions dans notre oreille. Avec son rythme mou, la première partie de "Secretly, Ona" est mon véritable coup de cœur sur ce “Gold Five”. Le jeu hypnotique des percussions nous attire irrémédiablement dans cet univers interstellaire où scintillent des bruits autant cosmiques qu’organiques. Et c’est tout le charme de ce long titre qui exploite admirablement son lit de percussions sobres mais drôlement captivantes. Les 11 premières minutes sont tout simplement géniales avec ces battements méthodiques qui supportent un très beau jeu de séquences qui déploie ses ions en tendres filaments stroboscopiques. Ces battements diminuent la cadence en restant très discret dans les dernières 10 minutes qui sont remplies d’effets cosmiques et de nappes anesthésiantes. Raccourci de cinq ou six minutes et ça serait un véritable bijou de cette série.
Une façon comme une autre de conclure ce 3ième chapitre de cette imposante collection de la série Archives qui continue sa route musicale avec une autre section de 5 albums intitulée Diamond et dont l’action se déroule à la porte de 2010.
(Sylvain Lupari 05/08/2017)

jeudi 3 août 2017

INDRA: Kamalatmika (2017)

“Again, the sweet and fine hypnotic beats of Indra in Kamalatmika are the bed of superb synth adornments”
1 She of the Lotus 21:26
2 When Passing Through 15:56
3 The Wheel of Time 19:00
4 Face in the Mirror 10:18
5 Let It Be 7:13

Indra Music (CD&DDL 73:54) ****
(Minimalist Roumanian School)

Five years after the tenebrous, and at times even stormy, Matangi, Indra comes back to tightening the loop of another one of his impressive musical projects; The Tantric Celebration. This 10th opus of a series initially planned in 12, and which will reach the 12 scheduled albums according to the recent obtained information, is however the last musical homage to the Great Cosmic Powers from the Hindu spiritual tradition. Born of a lotus flower which floats on the waters of the infinite ocean of Manifestation, “Kamalatmika” is the goddess of the wealth, beauty, the fertility, love and of devotion. If 5 long years separate the last two opuses of the series, Indra always remains comfortably installed on his long minimalist structures which are of use as an architectural bed to some divine interventions of synth layers, of sequences, of percussions as much seducing than sensibly well inserted and in the breathes of a Duduk, an acoustic instrument which adds a very ethereal touch to an already highly spiritual music.
It's moreover with the Duduk that gets organized the slow cosmic trip of "She of the Lotus". A little as the breaths of a lonely saxophonist who unites his dreams to some layers of synth shimmering of astral voices, Kamalatmika arises with this flavor of celestial plenitude which is at the splendor of the soundscapes of the contemplativity music. The orchestral layers float as much that they derive with delicate sonic fineries which ring and sparkle in a state of abyssal blackness. Another silkier layer gets in at around the 7 minutes, giving birth to very beautiful airy solos of the Duduk while lies down quite slowly the hypnotic rhythmic structure of "She of the Lotus". Fine sequences are fooling around in the background and the percussions structure this rhythm as slow as a leg of ballerina floating in time. At the same time, this lascivious and magnetizing rhythm takes a little more vigor. But the whole thing develops so slowly that this vigor installs the doubt in our head. A thing is sure on the other hand; the sound decorations invite each other boldly, revealing a long and charming sound river which reaches the bed of its torrent around the 15th minute with more incisive percussions which accentuate a heavier but not inevitably more fluid pace. "When Passing Through" puts things right with a nice and crystal clear structure livened up between a bed of sequences with multiple ornamental pirouettes and structure of bass pulsations which follows with heaviness the clear velocity of this stream of sequences which untwist like a multiple routes of acrobatic nightingales. It's her, imho, that Indra is at his best! Spasmodic rhythm with an approach always slightly different, orchestrations in mode as dreamy as staccato, solos of synth discreet and effective and thin line of sequences which dance freely with our imagination; "When Passing Through" is well enough among the best music of the Rumanian synthesist.
I wrote earlier about percussions as seducing than sensibly well inserted, the very beautiful "
The Wheel of Time" explains my quote! Between the poetic slowness of "She of the Lotus" and the candid nervousness of "When Passing Through", "The Wheel of Time" settles down comfortably as being the jewel of “Kamalatmika”. The rise of the rhythm gallops finely under the whips of the percussions which click in a tongue of wood. Radiant, the synth illuminates this structure of very good and harmonious chirpings while the sequences ring, and others circulate like millipedes on an ardent ground, in accordance with this massive structure of rhythm and harmonies which weaves the 20 minutes of this key title in this 10th opus of the series The Tantric Celebration. This very bewitching rhythm falls in an aphasic phase around the 6th minute to be reborn with more vigor in its longest 2nd part. If the percussions are striking, the melodious ornaments of the synth inject an approach more than lyrical into this luxurious title which is worth itself the purchase of “Kamalatmika”. I still have the shivers while my proofreading of this review gets connect with my memories of hearing it! "Face in the Mirror" is more in the Berlin School vein with a structure of rhythm livened up by an approach near the roots of Tangerine Dream and Klaus Schulze, but in their opposite spheres of creativity. Either more vintage for the TD sound of the synths and this nervous rhythm forged around bass pulsations and around nervous sequences in the vibes of Klaus Schulze. The structure of the rhythm is more in the liveliness of "When Passing Through" but in a more jerky way. "Let It Be" ends this opus as much enchanting as striking with a melodious kind of ballad, but on a structure too much livened up to catalog it as being a ballad, and where most of the fineries of the 5 titles of “Kamalatmika” are condensed around a structure decorated of nervous sequences, of these perpetual bass pulsations and these keyboard chords which scatter their sound dusts with a divine approach of astral melody. The Duduk adorns this ballad with more panache and more melody in the air than in "She of the Lotus" concluding a brilliant comeback of Indra at the table of music writing. Indeed, a very beautiful album my friends which shows that in 5 years, Indra has knew how to maintain, I would even tell to surpass, because “Kamalatmika” is really different in tone and in spirituality than the The Tantric Celebration's first 9 volumes, his high level of writing and of musical poetry.

Sylvain Lupari (August 3rd, 2017)
synth&sequences.com

You will find this album on the Eagle Music web shop here
-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
Cinq ans après le ténébreux, et par moments tempétueux, Matangi, Indra revient resserrer la boucle d'un autre de ses imposants projets musicaux; The Tantric Celebration. Ce 10ième opus d'une série initialement prévu à 12, et qui atteindra les 12 albums selon les récentes informations obtenues, est toutefois le dernier hommage musical aux 10 Grandes Puissances Cosmiques de la tradition spirituelle hindoue. Née d'une fleur de lotus qui flotte sur les eaux de l'océan infini de la Manifestation, “Kamalatmika” est la déesse de la richesse, de la beauté, de la fertilité, de l'amour et de la dévotion. Si 5 longues années séparent les deux derniers opus de la série, Indra reste toujours confortablement installé sur ses longues structures minimalistes qui servent de lit architectural à divines interventions de nappes de synthé, de séquences, de percussions aussi séduisantes que judicieusement insérées et à des chants de Duduk, un instrument acoustique qui ajoute une touche très éthérée à une musique déjà hautement spirituelle.
C'est d'ailleurs avec le Duduk que s'organise la lente virée cosmique de "She of the Lotus". Un peu comme les souffles d'un saxophoniste solitaire qui épouse ses songes avec des nappes de synthé moirées de voix astrales, Kamalatmika s'élève avec ce parfum de plénitude céleste qui est à la splendeur des paysages soniques de musique de contemplativité. Les nappes orchestrales flottent autant qu'elles dérivent avec de délicates parures soniques qui tintent et scintillent dans un état de noirceur abyssale. Une autre nappe plus soyeuse se dépose autour des 7 minutes, donnant naissance à de beaux solos très aérés du Duduk alors que s'installe tout doucement la structure rythmique hypnotique de "She of the Lotus". De fines séquences folâtrent en arrière-plan et des percussions structurent ce rythme aussi lent qu'une jambe de ballerine flottant dans le temps. Ce rythme à la fois lascif et magnétisant prend un peu plus de vigueur. Mais le tout se développe tellement lentement que cette vigueur installe le doute dans notre tête. Une chose est sure par contre; les décorations soniques s'invitent sans gêne, dévoilant un long et charmant fleuve sonique qui atteint le lit de son torrent autour de la 15ième minute avec des percussions plus incisives qui accentuent une cadence plus lourde mais pas nécessairement plus fluide. "When Passing Through" corrige le tir avec une belle et limpide structure animée entre un lit de séquences aux multiples pirouettes décoratives et une structure de basses pulsations qui suit avec lourdeur la nette vélocité de ce chapelet de séquences qui se détortillent comme une dizaine de tracées de rossignols acrobatiques. C'est ici, selon moi, qu'Indra est à son meilleur! Rythme spasmodique avec une approche toujours légèrement nuancée, des orchestrations en mode autant rêveur que staccato, des solos de synthé discrets et efficaces et des filets de séquences qui dansent librement avec notre imagination; "When Passing Through" accote assez bien la meilleure musique du synthésiste Roumain.
Je vous parlais plus haut des percussions aussi séduisantes que judicieusement insérées, le très beau "The Wheel of Time" explique ma citation! Entre la lenteur poétique de "She of the Lotus" et la nervosité candide de "When Passing Through", "The Wheel of Time" s'installe confortablement comme étant le joyau de “Kamalatmika”. La montée du rythme galope finement sous les fouets des percussions qui claquent dans une langue de bois. Radieux, le synthé illumine cette structure de très beaux pépiements très harmonieux alors que les séquences tintent, d'autres circulent comme des iules sur un sol brulant, en harmonie avec cette massive structure de rythme et d'harmonies qui tresse les 20 minutes de ce titre phare dans ce 10ième opus de la série The Tantric Celebration. Ce rythme très ensorceleur tombe dans une phase aphasique autour de la 6ième minute pour renaître avec plus de vigueur dans sa plus longue 2ième partie. Si les percussions sont séduisantes, les ornements mélodieux du synthé injectent une approche plus que lyrique à ce somptueux titre qui vaut à lui seul l'achat de “Kamalatmika”. J'en ai encore les frissons alors que ma relecture se connecte avec les souvenirs! "Face in the Mirror" est plus dans le modèle Berlin School avec une structure de rythme animée par une approche près des racines de Tangerine Dream et de Klaus Schulze, mais dans leurs sphères de créativité opposées. Soit plus vintage pour le son des synthés assez TD et ce rythme nerveux forgé autour de basses pulsations et de séquences nerveuses dans des ambiances Klaus Schulze. La structure du rythme est plus dans la vivacité de "When Passing Through" mais dans une approche plus saccadée. "Let It Be" termine cet opus aussi séduisant que saisissant avec une approche dans le genre ballade mélodique, sur une structure trop animée pour la cataloguer comme étant une ballade, où la plupart des artifices des 5 titres de “Kamalatmika” sont condensés autour d'une structure ornée de séquences nerveuses, ces perpétuelles basses pulsations et ses accords de clavier qui éparpillent leurs poussières soniques avec une divine approche de mélodie astrale. Le Duduk orne cette ballade avec plus de panache et plus de mélodie dans les airs que dans "She of the Lotus", concluant un brillant retour d'Indra à la table de la composition. Un très bel album mes amis qui démontre qu'en 5 ans, Indra a su maintenir, je dirais même dépasser car “Kamalatmika” est vraiment différent en tonalité et en spiritualité que les 9 premiers volumes de The Tantric Celebration, son haut niveau d'écriture et de poésie musicale.
Sylvain Lupari (03/08/2017)