dimanche 22 octobre 2017

MICHAEL BRÜCKNER: Trees of Olivandá (2017)

“A very poetic artwork and a very lyrical ode, Trees of Olivandá is at the height of both qualities. A splendid Neo Berlin School style album and the best of Mister Brückner
1 Queen of the Southern Cross 9:36
2 Into the Birdlands 4:07
3 The Fountain, the Child and the Sun 5:59
4 Outcast 10:04
5 Under the Trees of Olivandá 21:44
6 Sunflower Girl 5:35
7 Escape to the Outer Moons 18:55

SynGate | CD-r MB05 (CD-r/DDL 76:02)
(New Berlin School, Prog EM)
In the course of his association with the German label SynGate, Michael Brückner accustomed us to small jewels well mislaid in a mountain of independent productions, albums in duo, reeditions as well as some projects on the grill here and there. With a reedition enriched by some new titles, All the Pieces Fit Forever, his collaboration with Wolfgang Barkowski for the time of the superb The Dark Path and this “Trees of Olivandá”, 2017 is a year which seems as quiet as in 2012. Proposed in a wonderful artwork drawn by the surrealist painter of the Web, Andreas Schwietzke, “Trees of Olivandá” shows once again all the talent of sound sculptor of Michael Brückner and his capacity to jump with elegance from a style to the another one. A very beautiful album by an artist who never stop to amaze me since SynGate has published 100 Hundred Million Miles Under the Stars in 2012.
Celestial clarions, which make very
Vangelis, open the first moments, rather melancholic, of "Queen of the Southern Cross". Two movements of rhythm wake up after the 120 seconds of this astral brass band, bringing in their trail a swarm of sonic stars and their sparkling chants. The first one is a line of bass which snores, crawls and even murmurs while the other one is a collage of electronic chirpings which roll in loops with a sensation to hear a series of riffs. Both rhythmic entities stay in the crossroads of motionless movements, showing a latent velocity which derives by moment towards more ambient spaces under the very good solos sculptured of tortillons by Michael Brückner's agile fingers. Although relatively short, "Into the Birdlands" proposes a bed of oscillations which again rolls in loops and of which the tones vary as much as the bend of a structure of always stationary rhythm. The variations in the tones as well as the pond of electronic effects in this so short lapse of time is rather effective. Why wasting minutes in the meter? Especially that the effects derive towards the very beautiful "The Fountain, the Child and the Sun" which is a very nice e-ballad of the Jarre style which pierces a thick veil of effects before landing between our ears. This "The Fountain, the Child and the Sun" is the proof that a very melodious imagination at the service of boldness and of the unusual often gives results more than very seducing. At this level, Michael Brückner excels. Even if strongly prisoner of a structure without dominant movements, "Outcast" succeeds in seducing by the quality of its sound effects and this ingenuity to inter change the roles between floating rhythm and magnetizing melody. We always have this sensation to drift in the meanders of 100 Hundred Million Miles Under the Stars with this collection of cosmic effects which wraps the structures of this last effort from the German synthesist. It's in this zone that the opening of "Outcast" evolves.
A gravitational movement of sequences draws a crawling structure which unwinds its charms in a universe which sends back the definitions of sound aestheticism towards a complete revision. The movement swirls in a zone filled of carillons which make twinkling their fragility in the turbulence of a circular movement of the sequencer and its small spasmodic jolts. And in this approach which fools totally the hearing, the movement of sequences switches into a delicious piano which loosens a fascinating bewitching melody. Then "
Outcast" finds refuge in the stroboscopic march of the sequencer and a delicious ambient phase. The cosmic decoration of the very long title-track is even more appealing. Synth loops without destination roam on a slightly mesmerizing structure of rhythm which is sculpted according to the rules of the Chill-out style. Diverse elements hang onto the electronic percussions and to the sequences which flicker lazily among the caresses of very good Michael Brückner's solos. Our state of hypnosis will be revived by more solid percussions, after a light ambient passage at about the 10th minute. The 2nd phase of "Trees of Olivandá" seeks for its anchoring point between more livened up passages and other ones more ambient. But always, and here more than anywhere on this album, Michael Brückner's synth solos are small jewels for ears. After an introduction weaved in the astral nebulosity, "Sunflower Girl" evolves quietly with a circular movement of the sequencer. Another line of rhythm, decorated of moiré sequences, emerges to grasp the percussions and to a structure which flirts now with a nice Electronica vibe, if not a honeyed IDM. But no matter the genre, we forget the whole thing as soon as fat and dramatic arpeggios, borrowed from Jean Michel Jarre's repertoire, in the opening of "Escape to the Outer Moons" announces the end of this other brilliant album from Michael Brückner. This introduction where the oceans flirt with the growls of a black sky lasts a nice 3 minutes before that "Escape to the Outer Moons" explodes between our ears with a crossing of techno and Berlin School. The sequences are lively and burst at full speed under the spasmodic pulsations of a starving bass line. Once again, the Berlin synth wizard excels at the art of diversion by creating rhythms of lead which rage beneath a harmonious sky totally in contrast with its childish melodies which charm as much as amaze. Again here, the effects flood the decoration while Michael Brückner aims to be more incisive with percussions which now support the fury of the sequencer and synth solos which replace the fragility of the melodies with twisted and more sharp aerial chants. The rhythm gets out of breath and pushes slowly "Escape to the Outer Moons" in a more techno mode, still showing all this flair of Michael Brückner to make his transitions which always astonish a few seconds farther.
Pushing even farther the limits of the sound perfection,
SynGate offers this splendid album in 24 Bit / 44.1 kHz. The CD-r is sold with the usual format of 16 Bit. Did my ears hear a difference? I have only noticed the excellence of this album, as long at the level of its sound envelope, of its superb artwork and of Michael Brückner's musical ideas who dedicates this album to his good friend Olaf Lux. Olaf, I don't know what you made to our friend Michael, but you gave him those emotions to offer the best of himself with this diamond which is “Trees of Olivandá”.

Sylvain Lupari (October 22nd, 2017) ****½*
You will find a way to purchase this album on SynGate Bandcamp page
here
______________________________________________________________________________________
CHRONIQUE en FRANÇAIS
______________________________________________________________________________________
Au fil de son association avec le label Allemand SynGate, Michael Brückner nous a habitué à des petits bijoux bien égarés dans une montagne de productions indépendantes, des albums en duo, des rééditions ainsi que quelques projets en marche à gauche et à droite. Avec une réédition enrichie de nouveautés, All the Pieces Fit Forever, son association avec Wolfgang Barkowski pour le temps du splendide The Dark Path et ce “Trees of Olivandá”, 2017 est une année qui semble aussi tranquille que 2012. Proposé dans une superbe jaquette dessinée par le peintre surréaliste du Web, Andreas Schwietzke, “Trees of Olivandá” démontre encore une fois tout le talent de sculpteur sonique de Michael Brückner et sa capacité de sauter avec élégance d'un style à l'autre. Un très bel album par un artiste qui ne cesse de m'étonner depuis que SynGate a publié One Hundred Million Miles Under the Stars en 2012.
Des clairons célestes, qui font très Vangelis, ouvrent les premiers instants, assez mélancoliques, de "Queen of the Southern Cross". Deux mouvements de rythme s'éveillent après les 120 secondes de cette fanfare astrale, amenant dans leur sillage une nuée d'étoiles soniques et leurs chants scintillant. La première est une ligne de basse qui ronfle, rampe et même murmure alors que l'autre est un collage de pépiements électroniques qui coulent en boucle avec une sensation d'entendre une série de riffs. Les deux entités rythmiques restent au carrefour des mouvements stationnaires, affichant une vélocité latente qui dérive par instant vers des espaces plus ambiants sous les très bons solos sculptés de tortilles par les doigts agiles de Michael Brückner. Bien que relativement court, "Into the Birdlands" propose un lit d'oscillations qui roulent en boucles et dont les tonalités varient autant que la courbe d'une structure de rythme toujours stationnaire. Les variations dans les tonalités ainsi que le bassin d'effets électroniques dans un si court laps de temps est assez efficace. Pourquoi gaspiller des minutes au compteur? Surtout que les effets dérivent vers le très beau "The Fountain, the Child and the Sun" qui est une belle ballade du style Jarre qui perce un dense voile d'effets avant d'atterrir entre nos oreilles. Ce "The Fountain, the Child and the Sun" est la preuve qu'une imagination très mélodieuse au service de l'audace et de l'inhabituel donne souvent des résultats plus que très séduisants. À ce niveau, Michael Brückner excelle. Même si fortement prisonnier d'une structure sans mouvements prédominants, "Outcast" parvient à séduire par la qualité de ses effets sonores et cette ingéniosité à inter changer les rôles entre rythme flottant et mélodie magnétisante. Nous avons toujours cette sensation de dériver dans les méandres de One Hundred Million Miles Under the Stars avec cette collection d'effets cosmiques qui enveloppe les structures de ce dernier effort du synthésiste Allemand. C'est dans cette zone que l'ouverture de "Outcast" gravite.
Un mouvement de séquences gravitationnel dessine une structure rampante qui déroule ses charmes dans un univers qui renvoie les définitions d'esthétisme sonique vers une révision complète. Le mouvement tournoie dans une zone bourrée de carillons qui font tinter leur fragilité dans la turbulence d'un mouvement circulaire du séquenceur et de ses petites saccades spasmodiques.  Et dans cette approche qui déjoue totalement l'ouïe, le mouvement de séquences permute en un délicieux piano qui délie une fascinante mélodie ensorcelante. Par la suite "Outcast" trouve refuge dans une marche stroboscopique du séquenceur et une savoureuse phase ambiante. Le décor cosmique de la très longue pièce-titre est encore plus séduisant. Des boucles de synthé sans destination errent sur une structure de rythme légèrement envoutante sculpté selon le genre Chill. Divers éléments s'accrochent aux percussions électroniques et aux séquences qui papillonnent paresseusement dans les caresses de bons solos de Michael Brückner. Notre état d'hypnose sera ravivé par des percussions plus solides, après un léger passage très ambiant vers la 10ième minute. La 2ième phase de "Trees of Olivandá" cherche ses repères entre des passages plus animés et d'autres plus ambiant. Mais toujours, et ici plus qu'ailleurs, les solos de Michael Brückner sont de petits bijoux pour les oreilles. Après une introduction tissée dans les nébulosités astrales, "Sunflower Girl" évolue tranquillement avec un mouvement circulaire du séquenceur. Une autre ligne de rythme ornée de séquences moirées émerge pour s'agripper à des percussions et à une structure qui flirte avec un bel Électronica, sinon une mielleuse IDM. Mais peu importe le genre, on oublie le tout dès que les arpèges gras et dramatiques, empruntés au répertoire de Jean Michel Jarre, de l'ouverture de "Escape to the Outer Moons" annonce la fin de cet autre brillant album de Michael Brückner. Cette introduction où les océans flirtent avec les grognements d'un ciel noir dure un beau 3 minutes avant que "Escape to the Outer Moons" explose entre nos oreilles avec un croisement de techno et de Berlin School. Les séquences sont vives et déboulent à vitesse grand V sous les pulsations spasmodiques d'une ligne de basse affamée. Encore une fois, le synthésiste berlinois excelle dans l'art de la diversion en créant des rythmes de plomb qui font rage sous un ciel harmonique totalement à l'opposé avec ses mélodies juvéniles qui charment autant qu'étonnent. Les effets inondent le décor alors que Michael Brückner se veut plus incisif avec des percussions qui maintenant soutiennent la rage du séquenceur et des solos de synthés qui remplacent la fragilité des mélodies avec des chants torsadés plus acuités. Le rythme s'essouffle et pousse doucement "Escape to the Outer Moons" en mode plus techno, démontrant encore toute cette habileté de Michael Brückner pour faire ses transitions qui étonnent toujours quelques secondes plus loin.
Poussant encore plus loin les limites de la perfection sonore, SynGate offre ce splendide album en 24 Bit/44.1 kHz. Le CD-r est vendu avec le format habituel de 16 Bit. Est-ce que mes oreilles ont entendues une différence? J'ai juste remarqué l'excellence de cet album, tant au niveau de son enveloppe sonore, que de sa pochette et des idées musicales de Michael Brückner qui dédie cet album à son bon ami Olaf Lux. Olaf je ne sais pas ce que tu as fait à notre ami Michael, mais tu lui as donné le goût d'offrir le meilleur de lui-même avec ce brillant “Trees of Olivandá”!
Sylvain Lupari (21/10/2017)

jeudi 19 octobre 2017

WOLFGANG NACHAHMER: Hexenkessel (2017)

“Hexenkessel is another special guest from SynGate which will be revealed on E-Live 2017. All I know is that it's a great vintage psychedelic Berlin School which unites the many faces of the 70's”
1 Der Garten der Träume 17:51
2 Vorwärme 4:39
3 Hexenkessel 15:39
4 Auf das neue Land 9:41
5 Schoß der Götter 8:03

SynGate CD-r WA01 (CD-r/DDL 55:53) ****
(Berlin School with psychedelic vibes)
In April 2014, SynGate had fun testing the knowledge of the hard and pure fans of the Berlin School genre by launching an album, Aus dem Nichts, conceived by a well-known artist and whose works were recognized by his colleagues and who has signed a mysterious album under the acronym of M.O.B.S. (Man Of Berlin School). About 30 months later, the German label reattempts the experiment with this album from a certain Wolfgang Nachahmer; a pen name this time for an artist well established on the international scene since decades. The press info gives us 2 indications: this artist wanted to make a solo album which would accentuate its affinities with the Berlin School genre. Thus, he is part of a band which does something else than EM. The pallet is wide and we can rule out Detlef Keller because he was the man behind M.O.B.S.! After some listening, the music of “Hexenkessel” dips actually into the Berlin School style, but a Berlin School which marinates in a more psychedelic approach with a beautiful use of synths and Mellotron. But no matter the identity, I find the idea of the thinkers at SynGate as much attractive as also very interesting.
A bed of reverberations, dosed well by fine modulations, and tears of synth which flow with the fluidity of beautiful ethereal solos; "Der Garten der Träume" puts at once my ears in these years where the solos of synth used to make the charms of an EM more drifting than rhythmic. The synth solos stream with the nobility of the art by sticking to it some nice fluty melodies. These solos dance and twist themselves with a duality in tones, while that quite slowly is drumming a structure of sequences in the kind of Picture Music from Klaus Schulze. In spite of the presence of these sequences and of some moments of intensity, "Der Garten der Träume" stays anchored well in its position of astral drifting. Banks of mist awakes an intensity which finds a partner in the vibrations of these sequences. While the solos undulate beneath the metallic jingles of percussive effects, the music seeks for a new partner with cosmic effects which lead "Der Garten der Träume" towards a finale more in ambiospherical mode. "Vorwärme" proposes a short phase of ambient music with all these cosmic effects of the 70's as well as murmurs and sighs of synth and Mellotron which win more in swiftness, as the music reaches its last seconds of cosmic drift.
A beautiful chant of Mellotron awakens the sequences of the Tangerine Dream style which will light the passion of the title-track. Well settled in its decoration of electronic effects, the structure of "Hexenkessel" goes up and down with the same ingenuity of the analog rhythms of the vintage years. At this level, the title is a real tribute to Tangerine Dream of the Phaedra years with good Mellotron and perfumes of guitar which is roaming in the background. Sometimes violent, sometimes misty and often unpredictable the music adopts the diverse gradations of the electronic hymns of that time. The sequencing pattern here is splendid and forges a structure in continual movement, even if the nuances abound in its rhythmic progression. After a good 8 minutes of big electronic rhythm, "Hexenkessel" finds refuge in a foggier zone with the somber harmonies of a very good Mellotron and odd percussive effects (that sounds like an old vinyl to often played and which has trouble with the ambient passages). This is highly addictive! "Auf das neue Land" brings us to another level of psychedelic music with manual percussions which drum around a campfire. Friends surround the percussionist, apparently stoned, and play the acoustic guitars and flutes. Other friends, just as much stoned, hum layers of faded voices while an ingenious among the gang plays synths without electricity. The whole thing gives a very lively acoustic music which spreads its charms under the concerto of stars and dusts of stars. One would say Pink Floyd, period Atom Heart Mother. After a short introduction of ambiences decimated by a fauna of colorful sound effects, "Schoß der Götter" burst with a movement of limp from the sequencer which loses the rhythmic guides in a line of quick and tenacious oscillations. The variations of sinusoidal waves draw a steady race which doesn't feel the need to breathe, the oxygen being assumed by the acrobatic solos of a synth in mode psychedelic gas. It's a good vintage rhythm with a beautiful correlation between the various layers of synth with tones always so ill-assorted. The storm of the oscillations subsides in a finale of soft perfumes of transcendental rest unique to the esoteric ideology of the LSD years. A real return in time my friends! Hey that I look forward for Saturday October 21st 2017.

Sylvain Lupari (October 19th, 2017)
synth&sequences.com
You will find a way to purchase this album on SynGate Bandcamp page
here
______________________________________________________________________________________
CHRONIQUE en FRANÇAIS
______________________________________________________________________________________
En Avril 2014, SynGate s'amusait à tester les connaissances des fans purs et durs du genre Berlin School en lançant un album, Aus dem Nichts, conçu par un artiste reconnu mondialement et qui signait l'album sous l'acronyme M.O.B.S. (Man Of Berlin School). Quelque 30 mois plus tard, le label Allemand retente l'expérience avec cet album de Wolfgang Nachahmer; un pseudonyme cette fois-ci pour un artiste toujours bien établi à l'international depuis des décennies. La revue de presse nous donne 2 indices: cet artiste voulait faire un album en solo qui mettrait en relief ses affinités avec le genre Berlin School. Donc, il fait partie d'un groupe bien établi qui fait autre chose que de la MÉ du style Berliner. La palette est large et on peut écarter Detlef Keller puisqu'il était l'homme derrière M.O.B.S.! Après quelques écoutes, la musique de “Hexenkessel” trempe effectivement dans le genre Berlin School, mais un Berlin School qui marine dans une approche plus psychédélique avec une belle utilisation des synthés et du Mellotron. Mais peu importe l'identité, je trouve l'idée des penseurs chez SynGate aussi séduisante que très intéressante.
Un lit de réverbérations, bien dosées par de fines modulations, et des larmes de synthé qui coulent avec la fluidité de beaux solos éthérés; "Der Garten der Träume" place tout de suite mes oreilles dans ces années où les solos de synthé faisaient les charmes d'une MÉ plus planante que rythmique. Les solos de synthés affluent avec la noblesse de l'art en se collant à des mélodies flûtées. Ces solos dansent et se tordent avec une dualité dans les tons alors que tout doucement tambourine une structure de séquences dans le genre Picture Music de Klaus Schulze. Malgré la présence de ces séquences et des quelques moments d'intensité, "Der Garten der Träume" reste bien ancré dans sa position de dérivation astrale. Des bancs de brume allument une intensité qui trouve un partenaire dans les trépidations de ces séquences. Alors que les solos ondulent sous les cliquetis métalliques des effets percussifs, la musique cherche un nouveau partenaire avec des effets cosmiques qui amènent "Der Garten der Träume" vers une finale plus en mode ambiosphérique. "Vorwärme" propose une courte phase en mode musique ambiante avec tous ces effets cosmiques des années 70 et des murmures et soupirs de synthé et Mellotron qui gagnent plus en vélocité à mesure que la musique atteint ses dernières secondes de dérivation cosmique.
Un beau chant de Mellotron éveille les séquences du style Tangerine Dream qui allumeront la passion de la pièce-titre. Bien installé dans son décor d'effets électroniques, la structure de "Hexenkessel" monte et descend avec la même ingéniosité des rythmes analogues des années vintages. À ce niveau, le titre est un véritable hommage au Tangerine Dream des années Phaedra avec du bon Mellotron et des parfums de guitare qui traînent dans le décor. Tantôt violente, parfois nébuleuse et souvent imprévisible la musique épouse les diverses gradations des hymnes électroniques de l'époque. Le jeu du séquenceur ici est splendide et forge une structure en continuel mouvement, même si les nuances abondent dans son déroulement rythmique. Après un bon 8 minutes de grand rythme électronique, "Hexenkessel" se réfugie dans une zone plus brumeuse avec les sombres harmonies d'un très bon Mellotron et d'étranges effets percussifs (on dirait un vinyle qui supporte très mal les passages ambiant). "Auf das neue Land" nous amène vers un autre niveau de musique psychédélique avec des percussions manuelles qui tambourinent autour d'un feu de camp. Des amis entourent le percussionniste, visiblement inspiré par une matière douteuse, et jouent de la guitare acoustique et des flûtes. D'autres amis, tout aussi bien gelés, fredonnent des nappes de voix éteintes alors qu'un ingénieux parmi la gang joue des synthés sans électricité. Le tout donne une musique acoustique bien vivante qui étend ses charmes sous le chant des étoiles et des poussières d'étoiles. On dirait du Pink Floyd, période Atom Heart Mother. Après une courte introduction d'ambiances décimées par une faune d'effets sonores bigarrés, "Schoß der Götter" éclate avec un mouvement de clopinement du séquenceur qui perd les guides rythmiques dans un filon d'oscillations vives et tenaces. Les variations d'ondes sinusoïdales dessinent une course soutenue qui ne sent pas le besoin de respirer, l'oxygène étant assumé par les solos acrobatiques d'un synthé en mode gaz psychédélique. C'est du bon rythme vintage avec une belle corrélation entre les différentes couches de synthé aux tonalités toujours aussi disparates. La tempête des oscillations s'affaisse dans une finale aux doux parfums de repos transcendantal unique à l'idéologie ésotérique des années LSD. Un vrai retour dans le temps mes amis! Eh que j'ai hâte à samedi le 21 Octobre 2017.

Sylvain Lupari (19/10/2017)

lundi 16 octobre 2017

AKIKAZE: Solstice (2017)

“This is another great gem in the vast ocean of EM built upon the roots of retro and new Berlin School”
1 Jacob's Ladders 7:18
2 Halo 17:06
3 Autumn Mist 5:16
4 Solstice Part 1 17:26
5 Solstice Part 2 13:03
6 Northern Light 19:20

Spheric Music ‎– SMCD 3011 (CD 79:43) ****
(Retro and New Berlin School on great melodic themes)
In my distant memories, I think that I have heard the music of Akikaze. In fact, I had a friend who spoke well of him and he even lent me a CD, I believe that it was In High Places, so that I discover the music of the Dutch musician. I didn't hook on it. And, listening to this “Solstice” and to its structures in continual movement, I don't understand why and how I missed that train. This album totally took me by surprise. And, in order to remain calm, I took the time to well listening this last opus of Akikaze of which main lines were presented to the E-Live festival in October 2015 (Gert Emmens played even the percussions on it). Verdict? There are no doubts! I well and truly discovered another small pearl in the vast ocean of EM. For a reason I ignore, I had associated the name of Akikaze, which means autumn wind in Japanese, to a Kitaro style of New Age. Moreover, the German label SynGate has reissued some of his albums on its Bandcamp platform at the end of 2015 in a silence which said it all on the artistic direction of Pepijn Courant, the man behind Akikaze. And then came this “Solstice” on Lambert Ringlage's label, a record company which specializes on the Berlin School style and which is known to produce good artists and mostly some great EM.
Twisted effects which break out into a wave of continuous sounds furnish a rather festive introduction to "
Jacob's Ladders". A line of sequences, with a harmonious tone which is reminiscent of the very beautiful movements of Eddie Jobson Synclavier on his very poetic and icy Theme of Secrets, made roll its keys which skip in circular movements. The nuances and the notches of the movement give a harmonious nobility which will seduce, under various angles, throughout “Solstice”. The harmonies flow like the grace of a ballet which personifies a dance of swans while in the background sparkles of murmurs remain sieved by the tenacity of a shaded veil. Minimalist and circular, the main movement of "Jacob's Ladders" stretch its charms up until that a line of bass sequences knocks them down with a lively movement and its aura of tension which makes our fingers strum. Layers of voices bewitch this brief change of direction before a 3rd change of skin brings "Jacob's Ladders" towards a more ethereal ambient phase with notes from an acoustic guitar which dream in the calm of sibylline voice layers. Three changes of direction for 7 minutes? We have to live with it because “Solstice” is everything but far from being king of homogeneity. "Halo" begins with a duel between a kind of accordion, a flute and a harp. The harp gets victorious and weaves us a comfortable melody that we would want so eternal. Voices hum behind a new association between the harp and an acoustic six-strings. It's like a small concert of angels in the new Eden which gets lost from the 3rd minute with a spheroidal movement of the sequencer to which get are grafted keyboard keys. The keyboard adds other chords, with more crystalline shadows, and pulls us towards the lands of Berlin School with good effects and a gradation in the rhythm which remains always ambient. The synth spreads beautiful harmonies and good solos whereas some surprising, and very unexpected, percussive effects invite themselves in this sonic painting in movement which tries constantly to fool the hearing with modifications which crop slightly the axis of "Halo" without denying its genre, nor its destination. "Autumn Mist" is a very Vangelis melody in Berlin School ambiences. I found that very seducing.
Composed for the E-Live festival, the title-track is the cornerstone of “
Solstice”. The first 6 minutes of "Solstice Part 1" are a beautiful moment of romance with an acoustic guitar which condemns its melody to roam in foggy layers which switch shape into rather striking arrangements. A spiral line of sequences injects a circular rhythm which is strongly snatched by very good percussions. The movement becomes then a good phase of progressive electronic rock with a swarm of melodies which survives and which charms in spite of the severity of the percussions' strikes. While my ears get more and more excited, Akikaze unwinds its solos unique to the vintage years which take forms and colors as so creative than in these beautiful years. A superb track which will throw a little of shade on "Solstice Part 2" and its route weaved in the continuity, here the first 6 minutes are forged in melancholy with a delicate flute and its fragile bucolic chant. Lively sequences flicker and congeal a still rhythmic after 6 minutes, forging a more electronic rhythm, in spite of the percussions, which seduces just as much with the very beautiful synth, and the way he is using it, of Akikaze. Because of its very changeable character, and its numerous arrangements drawn in the 60 other minutes of “Solstice”, "Northern Light" requested me more than one listening to find satisfaction between my ears. With hesitating pulsations in an organic sound envelope and carousels of sequences glittering on the spot, the introduction is tinted with an approach sewn by mystery. A first mobile line of sequences emerges after 120 seconds. The rhythm becomes fluid with a running which oscillates cheerfully in layers of voices in the shape of riffs. Another movement of bass sequences runs like the one in "Jacob's Ladders" while a 3rd one cements a more harmonious approach. These 3 layers alternate the phases of steady rhythm, of ambient phases and of harmonious ones in an ascending movement which coats itself of a soft sibylline choir and of nightmarish organ layers. A first bridge of ambiences appears around the 7th minute, bringing "Northern Light" on a path sculptured by sequences which go tiptoe. Some very nice orchestrations throw a dose of passion on the harmonies become hoarser and on sequences become less uncertain. Slowly, the universe of "Northern Light" falls over again but this time towards a more harmonious race. The synth displays its more discreet charms whereas always glitters this swarm of sequences which goes and comes discreetly. The layers of organ are more chthonian and the rhythm which follows is more ambient, leading the fates of "Northern Light" being consumed by a lullaby as much morphic as so very oniric.
Layers of rhythms which crisscross and follow each other in an electronic decoration which allies the retro and the new Berlin School and synths, especially synths, which weave good soloes as charming as the melodies in a soundscape not too much fill nor too mat,
Akikaze succeeds his entrance on Spheric Music in a remarkable way. With its multiple sound faces, “Solstice” is an album that we savor at any time of the day. We want beautiful melodies on light rhythms, “Solstice” is there. We wish for strong stuff and robustness coated by magic solos, “Solstice” is there again. We seek for complexity which flows such as fluid without abrasive, “Solstice” is always there. And without being aware of it we pass from a phase to the other one without being too much disoriented, nor with regrets. A very beautiful album my friends …
Sylvain Lupari (October 16th, 2017)
synth&sequences.com
One finds this album on CD Baby and on the Spheric Music shop here

______________________________________________________________________________________
CHRONIQUE en FRANÇAIS
______________________________________________________________________________________
Dans mes lointains souvenirs, il me semble avoir déjà entendu la musique d'Akikaze. En fait, j'avais un ami qui en parlait en bien et il m'avait même prêté un CD, je crois que c'était In High Places, afin que je découvre la musique du musicien Hollandais. Je n'avais pas vraiment accroché. Et, à l'écoute de ce “Solstice” et de ses structures en continuel mouvement, je ne comprends pas comment ai-je pu avoir louper un tel artiste. Cet album m'a totalement pris par surprise. Et, question de ne pas m'emballer trop vite, j'ai pris le temps de bien écouter ce dernier opus d'Akikaze dont les grandes lignes furent présentées au festival E-Live en Octobre 2015 (Gert Emmens y jouait même les percussions). Verdict? Il n'y a pas de doutes! J'ai bel et bien découvert une autre petite perle dans le vaste océan de la MÉ. Pour une raison que j'ignore, j'avais associé le nom d'Akikaze, qui signifie vent d'automne en japonais, à du New Age à la Kitaro. Le label allemand SynGate avait d'ailleurs ressorti quelques-uns de ses albums sur sa plateforme Bandcamp à la fin de 2015 dans un silence qui laissait planer un doute sur la direction artistique de Pepijn Courant, l'homme derrière Akikaze. Et puis vint ce “Solstice” sur le label de Lambert Ringlage, une maison de disque qui se spécialise sur le style Berlin School et qui a l'habitude de signer de bons artistes.
Des effets torsadés qui déferlent en une vague de sons continus garnissent une introduction plutôt festive de "Jacob's Ladders". Une ligne de séquences, avec une tonalité harmonique qui n'est pas sans rappeler les très beaux mouvements du Synclavier d'Eddie Jobson dans le très poétique et glacial Theme of Secrets, fait rouler ses ions qui sautillent en mouvements circulaires. Les nuances et les échancrures du mouvement rend une noblesse harmonique qui séduira, sous différents angles, tout au long de “Solstice”. Les harmonies coulent comme la grâce d'un ballet qui personnifie une danse des cygnes alors qu'en arrière-plan des éclats de murmures restent tamisés par la ténacité d'un voile ombragé. Minimaliste et circulaire, le principal mouvement de "Jacob's Ladders" étire ses charmes jusqu’à ce qu'une ligne de basse séquences les bouscule avec un mouvement vif et son aura de tension qui fait pianoter nos doigts. Des nappes de voix ensorcèlent ce bref changement de direction avant qu'un 3ième changement de peau amène "Jacob's Ladders" vers une phase d'ambiances plus éthérée avec des accords de guitare acoustique qui rêvent dans des nappes sibyllines. Trois changements de direction pour 7 minutes? Faut s'y faire, car “Solstice” se tient loin de tout ce qui concerne l'homogénéité. "Halo" débute avec un duel entre accordéon, flûte et harpe. La harpe sort vainqueur et nous tisse une somptueuse mélodie que l'on voudrait tant éternel. Des voix chantonnent derrière une nouvelle association entre harpe et six-cordes acoustique. C'est comme un petit concert d'anges dans le nouvel Éden qui s'égare dès la 3ième minute avec un mouvement sphéroïdal du séquenceur où se greffent des accords de clavier. Un clavier qui ajoute d'autres accords, avec des ombres plus cristallines, et nous attire dans les terres de la Berlin School avec de bons effets et une gradation dans le rythme qui reste toujours ambiant. Le synthé étend de belles harmonies et de bons solos tandis que d'étonnants, et très inattendus, effets percussifs s'invitent dans cette toile en mouvement qui cherche constamment à déjouer l'ouïe avec des modifications qui détourent légèrement l'axe de "Halo" sans pour autant renier son genre, ni sa destination. "Autumn Mist" est une mélodie très Vangelis dans des ambiances Berliner. J'ai trouvé ça très séduisant.
Composé pour le festival E-Live, la pièce-titre est la pierre d'assise de “Solstice”. Les 6 premières minutes de "Solstice Part 1" sont un beau moment de romance avec une guitare acoustique qui condamne sa mélodie à errer dans des nappes brumeuses qui se transforment en arrangements assez saisissants. Une ligne de séquences spiralée injecte un rythme circulaire qui est fortement happé par de très bonnes percussions. Le mouvement devient alors une bonne phase de rock électronique progressif avec un essaim de mélodies qui survit et qui charme malgré la sévérité des frappes de percussions. Alors que mes oreilles deviennent de plus en plus folles de plaisir, Akikaze déroule ses solos uniques aux années vintage qui prennent des formes et des couleurs aussi créatives que dans ces belles années. Un superbe morceau qui jettera un peu d'ombre sur "Solstice Part 2" et de son parcours tissé dans la continuité, ici les 6 premières minutes sont forgées dans la mélancolie avec une délicate flûte et son fragile chant bucolique. Des séquences vives papillonnent et figent une rythmique stationnaire après les 6 minutes, forgeant un rythme plus électronique, malgré les percussions, qui séduit tout autant avec le très beau synthé, et la façon dont il s'en sert, d'Akikaze. À cause de son caractère très changeant, et ses nombreux arrangements puisés dans les 60 autres minutes de “Solstice”, "Northern Light" m'a demandé plus d'une écoute afin de trouver satisfaction entre mes oreilles. Avec des pulsations hésitantes dans une enveloppe sonore organique et des carrousels de séquences miroitant sur place, l'introduction est teintée d'une approche cousue de mystère. Une première ligne de séquences mobile émerge après 120 secondes. Le rythme devient fluide avec une course qui oscille allègrement dans des nappes de voix en forme de riffs. Un autre mouvement de séquences basses court comme dans celui de "Jacob's Ladders" alors qu'une 3ième cimente une approche plus harmonique. Ces 3 couches alternent les phases de rythme soutenus, ambiants et harmoniques dans un mouvement ascendant qui se nappe d'une douce chorale sibylline et de nappes d'orgue cauchemardesques. Un premier pont d'ambiances surgit vers les 7 minutes, amenant "Northern Light" sur un sentier sculpté par des séquences qui marchent à pas-de-loup. De belles orchestrations jettent une dose de passion sur les harmonies devenus plus rauques des séquences devenues moins incertaines. Doucement, l'univers de "Northern Light" bascule à nouveau mais cette fois-ci vers une course plus harmonique. Le synthé déploie ses charmes plus discrets tandis que miroitent toujours cet essaim de séquences qui va et vient en toute discrétion. Les nappes d'orgue sont plus chtoniennes et le rythme qui suit plus ambiant, conduisant les destinées de "Northern Light" consumée par une berceuse aussi morphique que très onirique.
Des couches de rythmes qui s'entrecroisent et se succèdent dans un décor électronique qui allie le rétro et le nouveau Berlin School et des synthés, surtout des synthés, qui tissent de bons solos aussi enchanteurs que les mélodies dans un paysage sonique pas trop rempli ni trop terne, Akikaze réussit son entrée chez Spheric Music de façon remarquable. Avec ses multiples visages soniques, “Solstice” est un album qui se déguste à n'importe quel moment de la journée. On a envie de belles mélodies sur des rythmes légers, “Solstice” est là. On désire du coffre et de la robustesse enrobée de solos magiques, “Solstice” est encore là. On cherche de la complexité qui coule comme du fluide sans abrasif, “Solstice” est toujours là. Et sans s'en rendre compte on passe d'une phase à l'autre sans trop être dépaysé, ni avec regrets. Un très bel album mes amis…

Sylvain Lupari (18/10/2017)

dimanche 15 octobre 2017

SVERRE KNUT JOHANSEN: Resurrection (2017)

“Resurrection is an album of peaceful music where SKJ is on a quest about a biblical subject over a very cinematographic music”
1 Heaven and Earth 7:27
2 Resurrection 8:36
3 Jonah and the Huge Fish 5:27
4 The Light 3:35
5 Dry Land 2:51
6 Dawn 2:15
7 Resurrection Pt.2 3:35
8 Revelation 21 3:59
(…a new heaven and a new earth)
9 Revelation 22 5:33
(…water of life)
Sverre Knut Johansen Music (DDL 61:58) ***
(Ambiant orchestral spiritual music)

Sverre Knut Johansen's third album in 2017, “Resurrection” aims to be an album of reflection, an album with biblical vocation on a subject which has been extrapolated many a time in the course of the centuries. Divided between rhythms held in control by luxurious orchestrations and ambiences sewn of white silk, this last opus of the Norwegian composer is doubtless the most occult of that I heard from him. Very filmic, the music always breathes of this duality between the divine light and the darkness. A little as if its author was always ambiguous but also very eager to put in music his faiths and his romanticism.
"Heaven and Earth" thus begins this philosophic quest with a very cinematic approach. Layers of violins upon layers float in shoals of celestial harmonies where roam more austere effects which try to bring this highly meditative music in a fall towards the somber nothingness. But the music holds out and the seraphic vibes remain. With its bells which ring and its synth layers which appear as the sun stealing shadows to the night, the title-track drags its mysteries on a hill as the pain which crawls in our body. The music tells its meets with Bohemians who dance in the sounds of tribal percussions whereas we constantly have the impression to live back to front where the day was stolen its clarity. "Jonah and the Huge Fish" is also built on the same principle of balance between the rhythm and the ambient moments which are under the high surveillance of orchestrations always in mode; make me raise the hairs of my arms! "The Light" inhales all of its meaning with a contemplative ode in the colors of serenity. "Dry Land" is all the opposite with its dark breezes which are stigmatized by a fusion between violins controllers of vibes and layers of rather discreet voices. But throughout this very contemplative work, Sverre Knut Johansen multiplies the layers of orchestrations which espouse his film vision of its last project. "Dawn" is the last den where the rhythm lives a little in a structure which would suited pretty well in a Steve Roach's repertory. The last 3 titles of “Resurrection” are soundscapes pictured with beautiful peaks of emotionalism, like in "Resurrection Pt.2", whereas "Revelation 21" and "Revelation 22" are more in a kind of meditative waltzes perfumed of dark shadows.
If you like a relaxing music with a Hebraic vision which breathes cheerfully in decorations of old Jerusalem, “Resurrection” is a work which will know how to seduce you. Me!? I heard better from Sverre Knut Johansen. But I have to admit that the chosen subject is a matter of heresy and that breathes comfortably the chosen purpose and the ideas of his author. For fans of spiritual meditative music.

Sylvain Lupari (October 16th, 2017)
synth&sequences.com
You will find a way to buy this album on Sverre Knut Johansen Bandcamp page
here

______________________________________________________________________________________
CHRONIQUE en FRANÇAIS
______________________________________________________________________________________
Troisième album de Sverre Knut Johansen en 2017, “Resurrection” se veut un album de réflexion, un album à vocation biblique sur un sujet mainte fois extrapoler au fil des siècles. Divisé entre des rythmes tenus en contrôle par de somptueuses orchestrations et des ambiances cousues de soie blanche, ce dernier opus du compositeur Norvégien est sans doute le plus occulte de que j'ai entendu de lui. Très cinématographique, la musique respire toujours de cette dualité entre la lumière divine et les ténèbres. Un peu comme si son auteur était toujours confus mais toujours très désireux de mettre en musique ses croyances et romances.
"
Heaven and Earth" débute donc cette quête philosophique avec une approche très filmique. Des nappes de violon flottent en bancs d'harmonies célestes où rôdent des effets plus austères qui tentent d'amener cette musique hautement méditative dans une chute vers le sombre néant. Mais la musique tient le coup et les ambiances séraphiques demeurent. Avec ses cloches qui tintent et ses nappes de synthé qui surgissent comme le soleil volant les ombres à la nuit, la pièce-titre traîne ses mystères sur une colline comme la douleur qui rampe dans notre corps. La musique raconte ses rencontres avec des bohémiens qui dansent aux sons des percussions tribales tandis que nous avons continuellement l'impression de vivre à l'envers où le jour s'est fait dérober sa clarté. "Jonah and the Huge Fish" est également construit sur ce même principe d'équilibre entre le rythme et les ambiances qui sont sous la haute surveillance d'orchestrations toujours en mode; fais-moi lever le poils des bras! "The Light" respire sa signification avec une ode contemplative aux couleurs de la sérénité. "Dry Land" est tout le contraire avec ses brises sombres qui sont stigmatisées par une fusion entre violons contrôleurs et nappes de voix assez discrètes. Mais tout au long de cette œuvre très contemplative, Sverre Knut Johansen multiplie les couches d'orchestrations qui épousent sa vision cinématographique de son dernier projet. "Dawn" sera le dernier repaire où le rythme vit quelque peu dans une structure qui irait bien dans le répertoire de Steve Roach. Les 3 derniers titres de “Resurrection” sont des paysages sonores portraitisés avec de belles pointes d'émotivité, comme dans "Resurrection Pt.2", tandis que "Revelation 21" et "Revelation 22" sont plus du genre valse méditative d'ombres noires.
Si vous aimez une musique relaxante avec une vision hébraïque qui respire allègrement dans des décors de vieux Jérusalem, “
Resurrection” est une œuvre qui saura vous séduire. Moi!? J'ai entendu mieux de Sverre Knut Johansen. Mais je dois admettre que le sujet choisi relève de l'hérésie et qu'il respire confortablement le but choisi et les idées de son auteur. Pour fans de musique méditative spirituelle.
Sylvain Lupari (16/10/2017)

samedi 14 octobre 2017

ARC: Fleet (2017)

“What we have here is a splendid album, from start to end, which will blow your ears away with a loud and fast sequencer-based style England School”
1 Fleet 8:38
2 Soar 8:37
3 Surge 12:23
4 Escape 8:07
5 Crux 13:59
6 Runner 12:01
7 Howl 10:42

DiN 53 (CD/DDL 74:34) *****
(Loud and fast sequencer-based style England School)
At each new album of Arc, we ask ourselves the question to know if the English duet would surpass its previous album. I devoured every album of Arc and more specially Umbra and its live reconstitution in the striking Arclight. Since Church, Ian Boddy and Mark Shreeve polish their style with new gear and they push an EM which wins in intensity as the seconds flee meters. The last studio and live album let emerge strong the finales, constituted of the gloomy and explosive Panthera and Cherry Bomb, which are for me the quintessence of the England School style. So, the bar was very high for “Fleet”, an album of original material that Arc performed at the famous E-Scape Festival earlier this year. “Fleet” proposes one 75 minutes of an EM which reaches new summits for Arc with a superb symbiosis between the ambiences, the rhythms and the melodies which are constantly peppered by perfect sound and percussive effects. Always whipped by good structures of rhythms (as we expected, the sequences are dominant and excellent), “Fleet” will know a finale as convincing as the one in Umbra.
If we remember correctly the
E-Scape 2017 album, Arc has interpreted a Mark Shreeve title, System Six, in this compilation album which gathers the artists present at this festival. I bring this fact, because the music of “Fleet” really sounds strangely like the universe of the one to whom we owe the Legion album. Maybe it's because he has mixed and masterised it. But whatever, it's on this mold that the title-track approaches our ears. Chthonian breaths embalm the moods of a sinister theatrical approach which is amplified by knockings of percussions coming from the outer-world. A line of bass polished the heavy relief of "Fleet" which is proud of its introduction with thick layers of a Gothic organ from a dark Mellotron and a chthonian choir which galvanizes its presence with a delicious cinematographic ode. The rhythm skipping weakly in these splendid luciferian arrangements, "Fleet" orientates again its dark axis with an attractive harmonious approach a little after the 4 minutes point. The arpeggios which sparkle here have this scent of John Carpenter and/or Legion in a heavy pattern where whistle shadows and specters with an attractive fusion between the singing of a synth and its orchestrations which reign over this structure as much lively than a gooseflesh which is afraid of the wind. Now each title here is interrupted by applauses. They are witness of an audience of connoisseurs of the Arc style from where "Soar" escapes with its lively structure. To say the least for its first 4 minutes. The rhythm is fluid and tied up on a line of bass sequences in mode; run after my keys! Another line of sequences gets grafted at this race, adding a more harmonious section to the rhythm and in the many sound effects of "Soar" which will dive into a phase of ambiences and of Mephistophelian effects where this harmonious line of sequences will weaken its last ounces of charm in one of the rare quiet moments of “Fleet”. The first moments of "Surge" are also of ambient nature with foggy breezes and layers of sibylline voices which float in an embryo of rhythm split up by yet uncertain rush. Except for a bass line which is always lively and stuck in a universe of perdition where also sparkle keyboard keys which are soaked of the sweet perfumes of Ian Boddy. Since its introduction, we smell that "Surge" is going to explode right in our face. And that starts with a livelier structure at the edge of the 4 minutes with a meshing between motionless sequences and percussions in mode rock which push the music towards a strong structure of electronic rock covered by layers and squeaking of synths. A pure moment of euphoric trance is going on and is provided by the wonderful quality of the duel of synths and of their vampiric effects. A little as in "Soar", "Surge" reveals its structure of rhythm with sequences beating without blanket which charm so much with these rolling of balls very in mode Chris Franke.
The heavy layers which cover the hesitating and at the end more coherent movement of "
Escape" bring to us not too distant memories with the approach of Panthera. In a structure which also unifies heaviness and suppleness, the music remains more harmonious and less stormy in this title fed by superb percussive effects as harrowing as these layers of Mellotron which wrap a structure supported in an approach always very theatrical. The first 4 minutes of "Crux" are also fed by delicious luciferian vibes. The rhythm which hatches is lively with sustained bass pulsations and movements of sequences which activate their crisscrossed loops like flights of bats in a haunted cave. "Runner" is a little bomb with its rhythm knotted around strange cawing of the sequencer and the line of bass pulsations in mode techno/dance. The synths are very harmonious and our starving ears have difficulty in seizing this whole fauna of percussive effects which surrounds a charmingly bumpy structure and of which the charms stay in these synths in mode Jarre and his Pop years. But a Pop here which loses this nuance of fragility with a rhythmic envelope as heavy as the vibes which surround the 7 tracks of this very strong opus from Arc. The 2nd part is clearly more explosive and in mode Shreeve of the Assassin times. With its approach skillfully weaved in a sound tension, "Howl" wants to make counterweight to the very overexcited Cherry Bomb and to the powerful Veil (Church). And that works! Here, as on many titles in “Fleet”, the tension in the introduction cogitates in the first 4 minutes. And then … Bang! "Howl" explodes between our ears with a heaviness and a fluidity up to here unequalled in the repertoire of Arc. The synths spit solos as much furious as those in Cherry Bomb and this in a heaviness assumed by layers of wild and boosted riffs. A slight moment of calm ambiences and bang! "Howl" explodes again and this time the solos whistle such as those of a heavy metal guitar in a structure just as much greedy for heavy electronic metal. An explosive finale for an album which doesn't disappoint at all and which is delicious from start to end. Misters Boddy and Shreeve, the bar will still be very high to surpass this “Fleet”. But I feel that you are capable! This is what I call an unescapable and perfect loud and fast sequencer-based style album, Enjoy my friends!

Sylvain Lupari (October 14th, 2017)
synth&sequences.com
You will find a way to purchase this album on DiN Bandcamp page
here

______________________________________________________________________________________
CHRONIQUE en FRANÇAIS
______________________________________________________________________________________
À chaque nouvel album d'Arc on se pose la question à savoir si le duo Anglais surpasserait son précédent album. J'ai dévoré chaque album d'Arc et plus spécialement Umbra et sa restitution en spectacle avec le percutant Arclight. Depuis Church, Ian Boddy et Mark Shreeve fignolent une MÉ qui gagne en intensité à mesure que les secondes fuient les compteurs. Et les finales, constituées des sombres et explosifs Panthera et Cherry Bomb sont pour moi la quintessence de la England School. La barre était donc bien haute pour “Fleet”, un album de matériel original qu'Arc a performé au fameux E-Scape 2017. “Fleet” propose un 75 minutes d'une MÉ qui atteint des nouveaux sommets avec une superbe symbiose entre les ambiances, les rythmes et les mélodies qui sont constamment pimentés de superbes effets sonores et percussifs. Toujours fouetté par de bonnes structures de rythmes, comme on s'y attend les séquences sont dominantes et excellentes, “Fleet” connaîtra une finale aussi convaincante qu'Umbra.
Si l'on se souvient de l'album E-Scape 2017, Arc interprétait une pièce du répertoire de Mark Shreeve, System Six, dans cet album compilation qui réunit les artistes présents à ce festival. J'amène ce fait, car la musique de “Fleet” ressemble drôlement à l'univers de celui à qui l'on doit l'album Legion. Et c'est aussi dans ce moule que la pièce-titre aborde nos oreilles. Des souffles chtoniens embaument les ambiances d'un sinistre approche théâtral qui est amplifié par des cognements de percussions venant d'outre-monde. Une ligne de basse poli le lourd relief de "Fleet" qui enorgueillit son introduction avec d'épaisses nappes d'un orgue gothique et une chorale chtonienne qui galvanise sa présence avec une délicieuse ode cinématographique. Le rythme sautillant mollement dans ces superbes arrangements lucifériens, "Fleet" réoriente son axe ténébreux avec une séduisante approche harmonique un peu après les 4 minutes. Les arpèges qui y scintillent ont cette odeur de John Carpenter et/ou de Legion dans un lourd canevas où sifflotent ombres et spectres avec une séduisante fusion entre le chant d'un synthé et ses orchestrations qui règnent sur cette structure aussi enlevante qu'une chair de poule qui a peur du vent. Chaque titre est entrecoupé par des applaudissements qui est le témoin d'une audience connaissante du style Arc d'où "Soar" s'échappe avec sa structure vive. À tout le moins pour ses 4 premières minutes. Le rythme est fluide et conçu sur une ligne de basse séquences en mode court après mes ions. Une autre ligne de séquences se greffe à cette course, ajoutant une section plus harmonieuse au rythme et aux moult effets sonores de "Soar" qui plongera dans une phase d'ambiances et d'effets Méphistophéliques où cette ligne de séquences harmonique étiolera ses dernières onces de charme dans un des rares moments de calme de “Fleet”. Les premiers instants de "Surge" sont aussi de nature ambiante avec des brises brumeuses et des nappes de voix sibyllines qui flottent dans un embryon de rythme fragmenté par des éclats encore incertains. Sauf pour une ligne de basse qui est toujours vivante et plaquée dans un univers de perdition où scintillent aussi des accords de claviers qui sont imbibés des doux parfums d'Ian Boddy. Depuis son introduction, nous sentons que "Surge" va nous sauter en pleine gueule. Et ça débute par une structure plus entrainante à l'orée des 4 minutes avec un maillage entre séquences stationnaires et percussions en mode rock qui poussent la musique vers une solide structure de rock électronique recouvert par des nappes et des crissements de synthé. Un pur moment de transe euphorique transmise par une superbe qualité du duel des synthés et de leurs effets vampiriques. Un peu comme dans "Soar", "Surge" dénude sa structure de rythme avec des séquences sans couverture qui charment avec des roulements très Chris Franke.
Les lourdes nappes qui recouvrent le mouvement hésitant et finalement cohérent de "Escape" imposent des souvenirs pas trop lointains avec la démarche de Panthera. Dans une structure qui unifie aussi lourdeur et agilité, la musique reste plus harmonique et moins tempétueuse dans ce titre nourri de superbes effets percussifs aussi angoissants que ces nappes de Mellotron qui enveloppent une structure soutenue dans une approche toujours très théâtrale. Les 4 premières minutes de "Crux" sont aussi nourries par de belles ambiances lucifériennes. Le rythme qui éclot est vif avec des basses pulsations soutenues et des mouvements de séquences qui activent leurs boucles entrecroisées comme des vols de chauve-souris dans une grotte hantée. "Runner" est une petite bombe avec son rythme noué autour d’étranges croassements du séquenceur et d’une ligne de basses pulsations en mode techno/danse. Les synthés sont très harmonieux et nos oreilles affamées peinent à saisir cette faune d'effets percussifs qui entoure une structure délicieusement cahoteuse et dont les charmes restent ces synthés en mode Jarre et ses années de Pop. Mais du Pop ici qui perd cette nuance de fragilité avec une enveloppe rythmique aussi lourde que les ambiances. La 2ième partie est nettement plus explosive et en mode Shreeve des années Assassin. Avec son approche habilement tissée dans une tension sonore, "Howl" veut faire contrepoids au survolté Cherry Bomb et au puissant Veil (Church). Et ça fonctionne! Ici, comme sur bien des titres de “Fleet”, la tension dans l'introduction cogite dans les 4 premières minutes. Et puis…Bang! "Howl" explose entre nos oreilles avec une lourdeur et une fluidité jusqu'ici inégalées dans le répertoire d'Arc. Les synthés crachent des solos aussi furieux que dans Cherry Bomb et ce dans une lourdeur assumée par des couches de riffs sauvages et surexcités. Un léger moment d'ambiances et bang! "Howl" explose à nouveau et cette fois-ci les solos sifflent comme ceux d'une guitare heavy métal dans une structure tout autant heavy métal. Une finale explosive pour un album qui ne déçoit pas et qui est exquis du début à la fin. Messieurs Boddy et Shreeve, la barre sera encore très haute afin de surpasser ce “Fleet”. Mais je sens que vous en êtes capable! Un incontournable album sans faille.
Sylvain Lupari (16/10/2017)

jeudi 12 octobre 2017

DASK: Messages (2017)

“Second opus From DASK, Messages is a wild sequencer-based style EM album filled by vintage, as contemporary, moods”
1 A Message 12:52
2 M13 Cluster 8:26
3 Gliese 581 12:02
4 Fermi Paradox 6:15
5 Cosmic Call One 14:24
6 Cosmic Call Two 12:52
7 Contact Made 3:23

SynGate DASK02 (CD-r/DDL 70:16) ***¾
(Sequencer-based style Berlin School)
In 1974, an interstellar message containing information on the Earth and its inhabitants was sent by the observatory of Arecibo in Puerto Rico towards a heap of stars named M13 which was at 25,000 light years from our planet. Frank Drake had then invented the format of dialogue of the message with the assistance of Carl Sagan. "A Message" onsets “Messages” with the tones of this message. After a first album which contained all the elements to capture the interest the aficionados of a classic Berlin School style a la Tangerine Dream, DASK returns with a 2nd opus resolutely cosmic which fills our ears with a clear evolution in its sound vocabulary.
After a good ambiospherical 5 minutes weaved by cosmic elements, the drift of "
A Message" accosts a rhythmic station. The boarding is made from the tips of hesitating sequences which swirl into a soft circular escalation. Cabalistic effects add a touch of intensity while a bass pulsation invites itself and restructures the passive rhythm into a more fluid one. Other pulsations get in and force the flow of rhythm towards one which is more dynamic and where the shadow of Redshift watches over a splendid polyphased waving movement with two sequencers which spit their contrasts in a good electronic rock finale worthy of the vintage years. "M13 Cluste " takes a short ambiospheric bend before weighing down its presence with a heavy sequencer which makes a line of rhythm oscillates with effects of radiations in the loops which are closer to our ears. Another movement of the sequencer makes its keys skip of which the delicious stumbles correct the rhythm's effect of neutrality. It's a heavy static movement which seduces our ears when it goes from a loudspeaker to the other one in a puddle of cracklings which gives it a depth of a cosmic neo-psychedelic genre. In 2008, a powerful digital signal was sent by the telescope RT-70 which should reach the planet Gliese 581en 2029. A hopping structure of rhythm emerges from the abstruse depths of "Gliese 581". This oscillatory and stroboscopic movement will amplify its presence with aerobatic maneuvers which roll in loops after the point of 3 minutes. Minimalist, with some nuances in the tone and in the interstellar cavorts, "Gliese 581" sounds like a relay station by redirecting these circular kicks towards their transmitter. DASK manages to maintain the interest with beautiful insertions of more harmonious sequences throughout these timeless loops, making of "Gliese 581" something nice to hear.
"Fermi Paradox" is a good title of meditative vibes with a beautiful sampling of celestial voices and an astral poetry which dominate this cosmic corridor. Inspired by a signal transmitted by the same telescope towards a door to stars in 1999, "Cosmic Call One" extirpates its figure of spasmodic rhythm from a singing of a synth which irradiated the first moments of vibes from the title. A little as in Electron Utopia, the sequencer dominates the territory of “Messages” while the synths are rather more in mode decorators and painters of atmospheres while toying with the rhythmic curves by a brighter presence and loops of melodies which fit just well into the Motorik rhythms, or the spasmodic ones like here, of this 2nd opus of the musician who like to experiment lines of rhythms and seeks to stay anonymous behind the acronym
DASK. Before the short floating and quite dark finale of "Contact Made", "Cosmic Call Two", for a 2nd contact which should reaches Cassiopeia in 2036, proposes a dynamic pattern of heavy and lively rhythm which leans on a base of boom-boom- tchak-tchak techno. Impossible to stay the feet neutral here!
Offered as much in CD-r as in downloadable format on SynGate Bandcamp site, “Messages” has more punch and rhythmic offensive than in Electron Utopia while keeping a dosage of atmosphere elements, which is rather creative at some points, in view of the unexplained mysteries in these messages and of the consequences of those. Furthermore, the artwork is rather significant … In spite of this cosmic vision, this “Messages” from
DASK is the ideal album for those who eat sequences over sequences freed by furious sequencers.

Sylvain Lupari (October 12th, 2017)
synth&sequences.com
You will find a way to purchase this album on SynGate Bandcamp page here

______________________________________________________________________________________
CHRONIQUE en FRANÇAIS
______________________________________________________________________________________
En 1974, un message interstellaire contenant des informations sur la Terre et ses habitants a été envoyé de l'observatoire d'Arecibo à Porto Rico vers un amas d'étoiles nommé M13 qui se trouvait à 25 années-lumière de notre planète. Frank Drake avait alors inventé le format de dialogue du message avec l'assistance de Carl Sagan. "A Message" amorce “Messages” avec les tons de ce message. Après un premier album qui contenait tous les éléments pour ravir les aficionados d'un genre Berlin School classique à la Tangerine Dream, DASK revient avec un 2ième opus résolument cosmique qui plombe nos oreilles avec une nette évolution dans son vocabulaire sonique.
Après un bon 5 minutes ambiosphérique tissées d'éléments cosmiques, la dérive de "
A Message" accoste une station rythmique. L'abordage se fait du bout de séquences hésitantes qui virevoltent en une douce escalade circulaire. Des effets cabalistiques ajoutent une touche d'intensité alors qu'une basse pulsation s'invite et restructure le rythme passif en un rythme plus fluide. D'autres pulsations s'invitent et forcent la structure vers une qui est plus dynamique où l'ombre de Redshift veille sur un superbe mouvement ondulatoire polyphasé avec deux séquenceurs qui crachent leurs contrastes dans une bonne finale de rock électronique des années vintages. "M13 Cluster" prend un court détour ambiosphérique avant d'alourdir sa présence avec un séquenceur lourd qui fait osciller une ligne de rythme avec des effets de radiations dans les boucles qui se rapprochent de nos oreilles. Un autre mouvement du séquenceur fait sautiller des ions dont les délicieux trébuchements corrige l'effet de neutralité du rythme. C'est un mouvement statique lourd qui séduit nos oreilles lorsqu'il voyage d'un haut-parleur à l'autre dans une mare de grésillements qui lui donne une profondeur d'un genre néo-psychédélique cosmique. En 2008, un puissant signal digital fut envoyé du télescope RT-70 qui devrait atteindre la planète Gliese 581en 2029. Une structure de rythme sautillante émerge des profondeurs absconses de "Gliese 581". Ce mouvement oscillatoire et stroboscopique amplifiera sa présence avec des acrobaties aériennes qui roulent en boucle après la barre des 3 minutes. Minimaliste, avec quelques nuances dans le ton et dans les caracoles interstellaires, "Gliese 581" fait figure de station à relais en redirigeant les ruades oscillatrices vers leur émetteur. DASK réussit à maintenir l'intérêt avec de belles insertions de séquences plus harmoniques au travers ces boucles intemporelles, rendant "Gliese 581" plus agréables aux oreilles.
"
Fermi Paradox" est un beau titre d'ambiances méditatives avec un bel échantillonnage de voix célestes et de poésie astrale qui dominent ce corridor cosmique. Inspiré par un signal transmit par le même télescope vers une porte des étoiles en 1999, "Cosmic Call One" extirpe sa figure de rythme spasmodique d'un chant de synthé qui irradiait les premiers instant d'ambiances du titre. Un peu comme dans Electron Utopia, le séquenceur domine le territoire de “Messages” alors que les synthés sont plus en mode décorateurs et peintres d'ambiances tout en déjouant parfois les courbes rythmiques par une présence plus lumineuses et des boucles de mélodies qui s'insèrent dans les rythmes Motorik, ou spasmodiques comme ici, de ce 2ième opus du musicien expérimentaliste qui reste anonyme derrière l'acronyme DASK. Avant la courte finale très sombre et planante de "Contact Made", "Cosmic Call Two", pour un 2ième contact qui devrait atteindre Cassiopeia en 2036, propose une dynamique figure de rythme lourd et vive qui s'appuie sur une base boum-boum-tchouk-tchouk techno. Impossible de rester les pieds au neutre ici!
Offert tant en CD-r ainsi qu'en format téléchargeable sur le site Bandcamp de SynGate, “
Messages” a plus de punch et d'offensive rythmique que dans Electron Utopia tout en conservant un beau dosage d'ambiances, qui est assez créatif par endroits, en égard des mystères inexpliqués de la nature des messages et des suites de ceux-ci. D'ailleurs, la jaquette est assez significative…Malgré cette vision cosmique, ce “Messages” de DASK est l'album idéal pour ceux qui se nourrissent des séquences libérées par des séquenceurs endiablés.
Sylvain Lupari (12/10/2017)

mardi 10 octobre 2017

CAUSTIC REVERIE: Here and Away (2017)

“Dark ambient music built upon layers of abstract confettis and effects of guitar delays, Here and Away is before everything for those who enjoy something more than the usual thing”
1 Night Trip 1:32
2 Ordered and Filed 6:48
3 Composition Book 1:50
4 Family Gathering 1:01
5 End Credits 1:10
6 Reconstruction 1 3:22
7 Reconstruction 2 6:51
8 Reconstruction 3 5:08
9 Reconstruction 4 3:11
10 Reconstruction 5 2:45
11 Reconstruction 6 3:38
12 Reconstruction 7 3:12
13 End Credits (Extended) 2:37

Caustic Reverie Music (DDL 40:31) ***½
(Dark ambient and experimental music)
Here, we are in the spheres of very dark ambient music with an experimental approach which flirts almost with an abstract music. Caustic Reverie, a name which says it all, is the project of Bryn Schurman, a sound engineer from Miami and a supporter of EM built on the effects of delays and reverberations as the kind of Robert Fripp and his Frippertronic. Inspired by cosmos and novelties about science fiction, he already has a novel in his portfolio, Bryn Schurman is a kind of artist who touches at everything. Musician, sound designer, radio man, writer, computer programmer and video player, he adores walking in the Keys in Florida and recording the noises of nature, of a city and of all the noises which drag in his everyday life. Offered only in download on the Bandcamp site of Caustic Reverie, “Here and Away” disposes of its 40 minutes in 2 chapters, more or less identical, of which the first part is the music is the soundtrack of a short film of the same name made by Abby Sirwatka in 2016.
Our ears welcome "Night Trip" and its long hollow breezes which are lulled by a nice poetic approach. "Ordered and Filed" follows with a ballet for idle layers which float among strange sibylline murmurs. Two lines of synth/guitar criss-cross their contrasting phases in a soft movement of floating vibes which is briefly disrupted by more shadowed winds at the gate of 4 minutes. The short "Composition Portfolio" espouses the same principle but with an incursion in a parallel universe while that "Family Gathering" lulls the whole thing with a more poetic approach. "End Credits" ends the music of Abby Sirwatka's movie with a more rhythmic approach fed by fascinating percussions which structure a kind of native trance. The layers of voice are superb here. This short segment of a dozens of minutes is rather attractive and promising. Except that the 2nd part of “Here and Away” is soberer and exploits a little more the universe of samplings and effects of reverberations in a less poetic approach, less animated by the visual suggestions of the American movie director. So "Reconstruction 1" begins this 2nd phase with more metallic flavored layers which melt between our ears by creating a feeling of emptiness around us. Some effects sweep the sonic horizons and pull the music, too short according to me, towards a finale without explanations. Cut in 7 very different parts but nevertheless connected by the same visions, the "Reconstruction" saga flows between our ears like 7 chapters of ambient music and elements which mix emotionalism and passivity at some different degrees. The color of the tones and the soundscapes are separated between good effects of reverberations and synth layers which cuddle depths rather colorful painted by very diversified samplings. The sibylline and psychotronic sides are elements that we remark a little bit better after more than one listening. And contrary to the addicting and delicious rhythm of "End Credits", "End Credits (Extended)" ends this 20th album from Caustic Reverie with a more ambient and especially more melodious approach. But all in all, Bryn Schurman's music is constantly evolving between two universes where fright is never too far from a strange paranormal sweetness. A fascinating album which will please the amateurs of a music built in the art to seduce eardrums with an approach clearly bore by a vision for the abstract art.

Sylvain Lupari (December 10th, 2017)
synth&sequences.com
You will find a way to purchase this album on Caustic Reverie Bandcamp page here
_____________________________________________________________________________________
CHRONIQUE en FRANÇAIS
_____________________________________________________________________________________
Ici, nous sommes dans les sphères de la musique ambiante très sombre avec une approche expérimentale qui flirte avec une musique abstraite. Caustic Reverie, un nom qui veut tout dire, est le projet de Bryn Schurman, un ingénieur en sons de Miami et un adepte de la MÉ construite sur les effets de délais et de réverbérations du genre Robert Fripp et ses Frippertronic. Inspiré par le cosmos et les nouvelles de science-fiction, il a déjà un roman à sa fiche, Bryn Schurman est un genre de touche à tout. Musicien, sculpteur de sons, animateur de radio, écrivain, programmeur en électronique et joueur de jeu vidéo, il adore se promener dans les Keys en Floride et enregistrer les bruits extérieurs, de même que les bruits qui entourent le déroulement du quotidien. Offert seulement en format téléchargeable sur le site Bandcamp de Caustic Reverie, “Here and Away” dispose de ses 40 minutes en 2 chapitres, à peu près identiques, dont le premier est la musique du court métrage du même nom réalisé par Abby Sirwatka en 2016.
Nos oreilles accueillent "Night Trip" et sa longue brise caverneuse qui est bercée par une belle approche poétique. "Ordered and Filed" suit avec un ballet pour nappes oisives qui flottent parmi d'étranges murmures sibyllins. Deux lignes de synthé/guitare entrecroisent leurs phases contrastantes dans un tendre mouvement d'ambiances qui est brièvement perturbé par des vents plus ombragés vers les 4 minutes. Le court "Composition Book" épouse le même principe mais avec une incursion dans un univers parallèle alors que "Family Gathering" balance le tout avec une approche plus poétique. "End Credits" termine la musique du film d'Abby Sirwatka avec une approche plus rythmique nourrie par de fascinantes percussions qui structurent un genre de transe indigène. Les nappes de voix sont superbes ici. Ce court segment d'une douzaine de minutes est assez séduisant et plutôt prometteur. Sauf que la 2ième partie de “Here and Away” est plus sobre et exploite un peu plus l'univers des échantillonnages et des effets de réverbérations dans une approche moins poétique, moins animée par les suggestions visuelles de la réalisatrice américaine. Ainsi "Reconstruction 1" débute cette 2ième phase avec une nappe à saveur plus métallisée qui fond entre nos oreilles en créant un sentiment de vide autour de nous. Des effets balaient les horizons soniques et entraînent la musique, trop courte selon moi, vers une finale sans explication. Coupé en 7 parties bien distinctes mais néanmoins rattachées par les mêmes visions, la saga "Reconstruction" coule entre nos oreilles comme 7 chapitres de musique ambiante et d'ambiances qui entremêlent émotivité et passivité dans des degrés différents. La couleur des tons et les horizons soniques sont départagés entre de bons effets de réverbérations et des nappes de synthé qui cajolent des profondeurs plutôt bigarrées peintes d'échantillonnages très diversifiés. Les côtés sibyllin et psychotronique sont des éléments qui ressortent un peu mieux après plus d'une écoute. Et contrairement au rythme addictif et savoureux de "End Credits", "End Credits (Extended)" termine ce 20ième album de Caustic Reverie avec une approche plus ambiante et surtout plus mélodieuse. Mais l'un comme dans l'autre, la musique proposée ici par Bryn Schurman évolue constamment entre deux univers où l'effroi n’est jamais trop loin d'une étrange douceur paranormale. Un fascinant album qui plaira aux amateurs d'une musique construite dans l'art de séduire les tympans avec une approche nettement portée par les méandres de l'art abstrait.
Sylvain Lupari (10/10/2017)