dimanche 20 mai 2018

NORD: The Tree of Life (2017)

“The more he moves forwards and the more Nord is turning into a one member band of Electronic prog-rock”
1 The Wise Man 13:09
2 The Deer and the Horse 10:38
3 The Falcon and the River 8:38
4 The Tree 12:49
5 Trance 10:06
6 Completion 11:36

Nord Music (67:00)
(Electronic Progressive Rock)
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   **Chronique en français plus bas**

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First album of Nord in 2018, “The Tree of Life” is inspired by an ancient Hungarian mythology; Életfa or the Tree of life which is considered to be the center of the world. And like in his last albums, Sztakics István Attila keeps on going and even accentuates his bend towards a fusion of progressive rock and of an EM of the Berlin School style which seduced his new legion of fans since The Hidden Garden of Semiramis. Genesis dipped into Opeth and\or Strawbs marinated in Dream Theater, Nord uses more and more his electric guitars plug-ins on this album. Structuring thus head-bangers rhythms between phases of atmospheres or as complement to a rising electronic rhythm. In the end, “The Tree of Life” ends to be more a progressive rock album decorated with a touch of EM than of its opposite. Exception made of the synth solos which abound on every title with some very esthetic choreographies.
It's moreover by a very Jeff Beck guitar (Roger Waters-Amused to Death) which roams in ethereal atmospheres that "The Wise Man", one of the main characters of this mythology, gets open. Some caresses of violins try to float with the suave lyrical harmonies of a splendid voice of goddess which is raised in order to give us shivers with his poignant crescendo of emotionalism. The synth plays on the depth of an Elvish choir for Angels and Devils, while injecting banks of mist in this luxurious decoration where even the twist reverberations the have a beautiful tonal tint. Crystal clear sequences liven up these spasmodic movements of rhythm unique in the arsenal of EM with two tones which head for the same tangent. If songs of a virgin flute tickle our emotions, the heavy riffs very loud of a rock guitar make counterweight. The fluty airs become piercing whereas the rhythm pursues its zigzagging road, a little as Tangram played in speeded-up, with sequences which remove their shadows in order to accelerate a pace which collapses now under the weight of heavy and resonant chords. This rhythmic instability is then whipped by percussions which lead the finale of "The Wise Man" towards a furious almighty mixture of heavy and ethereal, of theatrical progressive rock and electronic which is now the trademark of Nord since some albums. "The Deer and the Horse" are other elements of this Hungarian tale. In music, this is translated by an intro fed of glaucous reverberations and of synth riffs which coos some nice little melodic soloes adorned of sound prisms which remain suspended in this very aerial decoration. Bass pulsations form a structure of rhythm which waves discreetly in this introduction fed of reverberations, solos of uncertain forms, tonal prisms … and riffs of guitar a la David Gilmour (Animals). The door is now open to a rock approach which becomes rather a heavy rock a la Uriah Heep, set apart the jerky riffs of guitars which make very Opeth, with synth solos and layers of Hammond organ which are running on a structure in madness. "The Falcon and the River" follows the same rules, exception made of an introduction blown by celestial voices and also for a rhythm which is slightly slower. The riffs are also sharp-edged and monstrous! And so goes too "The Tree" which adopts the shape of the previous titles with an opening where reverberations, electro-cosmic effects and layers of celestial voices spread a panorama of an idle serenity. A circular movement of the sequencer goes out of these ambiences of which the crescendo pursues its ascent with these big jerky riffs, helped by very rock percussions, which perturb the atmospheres of this album while preserving a level of rhythmic uncertainty convenient for good synth solos which sound very David Wright. "Trance" is a beautiful electronic ballad which gets transformed into a copy of Power Ballad. The same goes for "Completion" which concludes “The Tree of Life” with the very theatrical rock vision heavy and incisive from Nord.

Sylvain Lupari (May 15th, 2018) ***¼**
synth&sequences.com
You will find this album in DDL only on Nord Bandcamp

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Premier album de Nord en 2018, “The Tree of Life” est inspiré d'une ancienne mythologie hongroise; Életfa ou l'Arbre de Vie qui est considéré comme le centre du monde. Et comme lors de ses derniers albums, Sztakics István Attila continue et accentue même son virage vers une fusion de rock progressif et de MÉ du style Berlin School qui a séduit une nouvelle légion de fans depuis The Hidden Garden of Semiramis. Du Genesis trempé dans du Opeth et/ou du Strawbs mariné dans du Dream Theater, Nord utilise d'avantage ses modules de guitare électrique sur cet album. Structurant ainsi des rythmes de head-bangers entre des phases d'ambiances ou comme complément à un rythme électronique naissant. Au final, “The Tree of Life” devient plus un rock progressif orné d'une touche de MÉ que son contraire. Exception faite des solos de synthés qui abondent sur chaque titre avec des chorégraphies très esthétiques.
C'est d'ailleurs par une guitare très Jeff Beck (Roger Waters-Amused to Death) qui rôde dans des ambiances éthérées que s'ouvre "The Wise Man", un des personnages centraux de cette mythologie. Des caresses de violons tentent de flotter avec les suaves harmonies lyriques d'une splendide voix de déesse qui est dressée pour nous donner des frissons avec ses poignants crescendos d'émotivité. Le synthé joue sur la profondeur d'une chorale Elfique pour Anges et Démons, tout en injectant des bancs de brume dans ce somptueux décor où même les réverbérations twistées ont un beau teint tonal. Des séquences limpides animent ces mouvements de rythme spasmodique uniques à l'arsenal de la MÉ avec deux tonalités qui épousent une même tangente. Si des chants d'une flûte virginale chatouille nos émotions, les lourds riffs bien pesant d'une guitare rock font contrepoids. Les chants flûtés deviennent acuités tandis que le rythme poursuit sa route zigzagante, un peu comme Tangram joué en accéléré, avec des séquences qui détachent leurs ombres afin d'accélérer une cadence qui croule maintenant sous le poids d'accords lourds et résonnants. Cette instabilité rythmique est fouettée alors par des percussions qui conduisent la finale de "The Wise Man" vers un furieux mélange de lourd et d'éthéré, de rock progressif théâtral et d'électronique qui est devenu le sceau de Nord depuis quelques albums. "The Deer and the Horse" sont d'autres éléments de ce conte Hongrois. En musique ça se traduit par une intro nourrie de réverbérations glauques et de riffs de synthé qui roucoule de beaux petits solos mélodiques ornés de prismes soniques qui restent suspendu dans ce décor très aérien. Des basses pulsations forment une structure de rythme qui ondule discrètement dans cette introduction nourrie de réverbérations, de solos aux formes incertaines, de prismes tonals…et des riffs de guitare à la David Gilmour (Animals). La porte est ainsi ouverte à une approche rock qui devient plutôt un heavy rock à la Uriah Heep, mis à part les riffs de guitares saccadés qui font très Opeth, avec des solos de synthé, et des nappes de Hammond, qui courent sur une structure en folie. "The Falcon and the River" suit les mêmes règles, sauf pour une introduction soufflée par des voix célestes et le rythme qui est légèrement plus lent. Les riffs sont aussi tranchants et monstrueux! Et de "The Tree" de suivre le modèle du titre précédent avec une ouverture où réverbérations, effets électronicosmiques et nappes de voix célestes étendent un panorama de sérénité oisive. Un mouvement circulaire du séquenceur sort de ces ambiances dont le crescendo poursuit sa montée avec ces gros riffs saccadés, aidés de percussions très rock, qui perturbent les ambiances de cet album maintiennent un niveau d'incertitude rythmique propice à de bons solos de synthé qui font très David Wright. "Trance" est une belle ballade électronique qui se transforme en une copie de Power Ballad. Idem pour "Completion" qui conclut “The Tree of Life” avec la vision très rock théâtrale lourd et incisif de Nord.
Sylvain Lupari (15/05/18)

samedi 19 mai 2018

LENSFLARE: Ultraviolet 2 (2018)

“Much more ambiospherical than the first chapter Ultraviolet 2 is a blend of pure Cosmic essence and of morphing Berlin School”

1 Cosmic Radiation 18:05
2 Time Warp 16:00
3 Gamma Decay 21:28

Lensflare Music (DDL 55:34)
(Cosmic and floating Berlin School)
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   **Chronique en français plus bas**

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Breaths made of ochre and deaf reverberations perfume an introduction where a thick surface of synth waves and of rippling synth lines are retaining the impulse of "Cosmic Radiation". In fact, the intro, and the ambiences to come from this title, depicts quite right the territory in which "Cosmic Radiation" evolves and by ricochet this album of Lensflare. Cosmic electronic effects, and other ones purely electronic, mark out a procession at the counter of a title which has difficulty in breathing, so much the atmospheres are weaved in stitches of tones without holes to make breathe the tissue. Layers of voice? Why not! It was the only element being lacking in this puddle of sound graffiti and sound effects. And their presences after 3 minutes comfort the fans of Berlin School. We smell that Lensflare is going to give birth soon. But it will rather be like a mountain giving birth to a mouse. Sequences packed of radiances, one would say Syndromeda's sequencing pattern, roam here and there before a less irradiant line of sequences modulates these rhythms which flicker with alacrity to make dance our neurons. This first phase of motionless rhythm lays down short oscillations without cleaning up the elements of ambiences present from the first seconds of this first title, and which will be living right to the very end of “Ultraviolet 2”. Little by little, the structure frees shapes of cosmic rodeos to which are grafted layers of voices which are as much fed than the rippling vapors of the synths. And quite slowly, the life of "Cosmic Radiation" goes out under this thick veil of cosmic radiations.
If the first Ultraviolet was an album of free interpretation about Rubycon, “Ultraviolet 2” brings us back a little more in the universe of the cosmic atmospheres a bit complexes and progressives of The Valle dell' Inferno, released at the beginning of 2018. We are here in a mixture of ambient cosmic music and Berlin School, which the Italian synthesist has composed in his studio of Guidonia in Italy at this beginning of 2018. “Ultraviolet 2” is 3 long structures of which the slow evolutions take place in a universe where our ears have already put their lobes. Background noises, sound effects as cosmic as organic, sinuous lines and sinister reverberations as well as layers of voices and aerial flutes give birth and suffocate rhythms too weak to drill this sound opacity which is the ink of this album. "Time Warp" doesn't escape to this vision of Lensflare for this album, while only the short invasion of the sequencer in "Gamma Decay" escapes the domination of the atmospheres. For the rest, this “Ultraviolet 2” reaches the goal aimed; either a good cosmic music with a little of Berlin School.

Sylvain Lupari (May 18th, 2018) *****
synth&sequences.com
Available on Lensflare's Bandcamp

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Des souffles ocrés et des réverbérations sourdes parfument une introduction où un épais tapis d'ondes et de lignes ondoyantes retiennent l’élan de "Cosmic Radiation". En fait, l'intro, et les ambiances à venir de ce titre, dépeint assez bien le territoire dans lequel "Cosmic Radiation" évolue et par le fait même cet album de Lensflare. Des effets électroniques cosmiques, et d'autres purement électroniques, jalonnent une procession du compteur d'un titre qui peine à respirer, tant les ambiances sont tissées dans des mailles de tons sans trous pour faire respirer le tissu. Des nappes de voix? Pourquoi pas! C'était le seul élément manquant dans cette mare de graffitis et d'effets soniques. Et leurs présences après les 3 minutes réconfortent les amateurs de la Berlin School. On sent que Lensflare va accoucher d'ici peu. Mais ce sera plutôt comme une montagne donnant naissance à une souris. Des séquences gorgées de radiances, on dirait du Syndromeda, errent ici et là avant qu'une ligne de séquences moins irradiante module ces rythmes qui papillonnent avec ardeur afin de faire danser nos neurones. Cette première phase de rythme stationnaire couche de courtes oscillations sans pour autant nettoyer les éléments d'ambiances présentes depuis les premières secondes de ce premier titre, et qui le seront jusqu'à la toute fin, de “Ultraviolet 2”. Peu à peu, la structure libère des figures de rodéos cosmiques auxquels se greffent des nappes de voix aussi nourries que les vapeurs ondoyantes des synthés. Et tout doucement "Cosmic Radiation" s'éteint peu à peu sous cet épais voile de radiations cosmiques.
Si le premier Ultraviolet était un album d'interprétation libre sur Rubycon, “Ultraviolet 2” nous ramène un peu plus dans l'univers des ambiances cosmiques un brin complexes et progressives de La Valle dell'Inferno, paru en début 2018. Nous sommes dans un mélange de musique d'ambiances cosmiques et de Berlin School, que le synthésiste Italien a composé dans son studio de Guidonia en Italie en ce début 2018. “Ultraviolet 2”, c'est 3 longues structures dont les lentes évolutions se passent dans un univers où nos oreilles ont déjà mis leurs lobes. Bruits de fond, effets sonores tant cosmiques qu'organiques, lignes sinueuses et réverbérations sinistres ainsi que nappes de voix et chants de flûtes donnent naissance et étouffent des rythmes trop faibles pour percer cette opacité sonore qui est l'encre de cet album. "Time Warp" n'échappe pas à cette vision de Lensflare pour cet album, alors que seule la courte évasion du séquenceur dans "Gamma Decay" échappe à la domination des ambiances. Pour le reste, ce “Ultraviolet 2” atteint le but visé; de la musique cosmique avec un peu de Berlin School.
Sylvain Lupari (18/05/18)

LENSFLARE: Ultraviolet (2017)

“Ultraviolet is a free interpretation of TD's Rubycon which will pleased for sure those who have missed those years”

1 Ultraviolet Part 1: Spectrum 19:23
2 Ultraviolet Part 2: Exposure 15:52

Lensflare Music (DDL 35:15)
(Berlin School)
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   **Chronique en français plus bas**
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It's like a tonal blooming which develops under Silvain's eyes, apprentice flutist and God of fields. The sounds grow in this music field and get into our ears with a little of echo and discord. A flute brings up a more harmonious aura with an air which is shaking under the stings of some cold breezes and the delicate knocks of gongs. Other noises, stranger ones, bloom between the crevices of synthesizers which add layers of chthonian voices. This tonal hatching wins in intensity of noises where falls of winds and horizontal hummings add more psychedelic effects to this long introduction of "Ultraviolet Part 1: Spectrum". And if your ears believe to have discover the garden of influences of these atmospheres, it's that you know by heart the ambiospherical elements which fed the introductions of the first Tangerine Dream albums on Virgin. And it's after 8:30 minutes that the whole thing gets revealed. With a movement of the sequencer stolen from the memories of Rubycon, Lensflare sculpts this fluid and floating movement of the sequencer of which the heavy oscillations here serve as bed for a melodious approach of the synth. The airs of the flute are more sharpened, less dreamy also, and sing this ghostly melody which irreparably seduced us in the turning of the 70's. Superb and predictable, this version freely inspired by this first cult album of Tangerine Dream reaches its purpose with the addition of percussions and this caricatural finale which here really sounds strangely like those ambient elements in a title of Black Sabbath from the Mob Rules album; E5150.
Have we enough of these perpetual movements of EM which are freely inspired by old Berlin School and of its pioneers? From what I've heard since years, I don't think so because there is big movement of revival in the air. The young artists look for this analog tone, some are in search of the possible unknown paths of those years, some have even found them, while other artists are freely inspired by an album in particular which is connected to this era. It's the case here with “Ultraviolet” from the Italian musician Lensflare. The latter said things clearly and dives literally in both sides of the Rubycon universe. I followed him and I enjoyed it. That gives me an opportunity to reconnect with the past. But his version doesn't surpass the original, even if sometimes we have the vague feeling to be pushed in a furrow that our senses hadn't perceived yet at that time, and even years farther. It's the case with "Ultraviolet Part 2: Exposure" where the sound fauna is especially denser and more creative by flooding even a longer structure of rhythm and which imitates the original in its architecture while bringing more abrupt contrast in its oscillations and more fluidity in its leading movement. To me that sounds much more like a kind of remix than a free interpretation. But in any case, one listens to it very well even if that never matches the original, and I don't believe that it was the goal aimed by Lensflare. I think that it's a fair free interpretation with a very good wealth and a search in the color of the tones. If you liked Rubycon and Phaedra years of Tangerine Dream, I believe that in the end you will be satisfied by this “Ultraviolet” which is available only in a downloadable on the Lensflare's Bandcamp page.

Sylvain Lupari (May 17th, 2018) *** ½**
synth&sequences.com
Available on Lensflare's Bandcamp

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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C'est comme une floraison tonale qui se développe sous les yeux de Silvain, apprenti flûtiste et 
Dieu des champs. Des sons poussent dans ce champ de musique et entrent dans nos oreilles avec un peu d'écho et de discorde. Une flûte élève une aura plus harmonique avec un air qui chevrote sous la piqure de brises froides et les délicats coups des gongs. D'autres bruits, plus étranges, fleurissent entre les interstices de synthétiseurs qui rajoutent des nappes de voix chthoniennes. Cette éclosion tonale gagne en intensité bruiteuse où des chutes de vents et des bourdonnements horizontaux ajoutent plus d'effets psychédéliques à cette longue introduction de "Ultraviolet Part 1: Spectrum". Et si vos oreilles croient avoir décelé le jardin des influences de ces ambiances, c'est que vous connaissez par cœur les éléments ambiosphériques qui nourrissaient les introductions des premiers albums de Tangerine Dream sur Virgin. Et c'est après les 8:30 minutes que le tout s'explique. Avec un mouvement du séquenceur volé aux souvenirs de Rubycon, Lensflare sculpte ce mouvement fluide et flottant du séquenceur dont les lourdes oscillations ici servent de lit pour une approche mélodieuse du synthé. Les chants de flûte sont plus aiguisés, moins rêveurs aussi, et épousent cette mélodie fantomatique qui nous a irrémédiablement séduite au tournant des années 70. Superbe et prévisible, cette version librement inspirée de ce premier album culte de Tangerine Dream atteint son but avec l'addition de percussions et cette finale caricaturale qui ici ressemble drôlement aux ambiances d'un titre de Black Sabbath dans Mob Rules, E5150.
En avons-nous assez de ces sempiternelles mouvements de MÉ qui sont librement inspirés de la vieille Berlin School et de ses artisans? Avec tout ce que j'entends depuis les dernières années il faudrait croire que non, puisqu'il y a gros mouvement de revival dans les airs. Les jeunes artistes recherchent cette sonorité analogue, certains sont à la recherche des possibles sentiers ignorés de cette époque, même que certains en trouvent, alors que d'autres artistes s'inspirent librement d'un album en particulier qui est lié à cette période. C'est le cas ici avec “Ultraviolet” du musicien Italien Lensflare. Ce dernier ne fait aucune cachette et plonge littéralement dans les deux côtés de l'univers Rubycon. Et moi j'embarque et j'aime bien cela. Ça me donne une occasion de me reconnecter avec le passé. Mais ça ne dépasse pas l’original, même si des fois on a la vague impression d'être enfoncé dans un sillon que nos sens n'avaient pas encore perçu à cette époque, et même des années plus loin. C'est le cas avec "Ultraviolet Part 2: Exposure" où la faune sonore est plus dense et surtout plus créative en inondant même une structure de rythme plus longue et qui imite l'original dans son architecture tout en apportant plus de contraste abrupte dans ses oscillations et plus de fluidité dans son mouvement. Ça ressemble bien plus à un genre de remix qu'à une interprétation libre. Mais dans tous les cas, ça s'écoute très bien même si ça ne dépasse pas, et je ne crois pas que c'est le but visé de Lensflare, l'original. Une belle interprétation libre et une très belle richesse et recherche dans la couleur des tons. Si vous aimez la période Rubycon et Phaedra de Tangerine Dream, je crois qu'au final vous serez bien comblé par ce “Ultraviolet”. Disponible uniquement en format téléchargeable sur le site Bandcamp de Lensflare.

Sylvain Lupari (17/05/18)

jeudi 17 mai 2018

EFSS: Tidal Shift (2018)

“A bit difficult to tame and to taste, Tidal Shift worth these extra listenings you will give to it...and then, it will be a hearing love story”

1 Flood 8:16
2 Fate 7:09
3 Movement 10:12
4 Transit 7:04
5 Tunnel 7:59
6 Macroscopic 5:35
7 Axis 8:06

EFSS Music (CD & DDL 54:23)
(Berlin School with a bit of extravaganzas)
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   **Chronique en français plus bas**

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Always very original, the music of the German quartet Erren, Fleißig, Schöttler & Steffen transcends the Berlin School style while being inspired by it freely. These 4 musicians-friends meet occasionally in the small Dutch municipality of Ouddorp located on the island of Goeree-Overflakkee. An idyllic place which is convenient to jams sessions which gave us the fabulous first 3 CD of EFSS. The last reunion of the quartet took place in January 2018 and the results, without almost any sound make-up, find themselves on this “Tidal Shift” which is a little different. In fact, the hearing seduction let's itself be desired after the 1st listen to. If "Tunnel", and possibly "Flood", seduced straight out, the rest is quite a different story Except that these four friends who are still huge followers of the modular synths are always so intuitive and manage to attract our ears with a palette of audacious colors for their rhythms, their tones and their atmospheres always at the top of the creativity.
"Flood" already establishes the new climate of EFSS with a meshing of percussions which sparkle over a good bass line. The rhythm shows the regularity of a metronome to which one would have added a collage of jingles and of percussive elements which beat to the same hypnotic measure, but with distances in the knocks. Thus, that beats constantly such as a percussionists' concerto on boilers and cauldrons. This structure welcomes the murmurs of machines and, a little farther, synths' lamentations whereas the rhythm becomes more pulsating and the effects of the voices more disturbing if we pour a few into a kind of paranoia. The percussions and the cawing of the bass are elements of charms here. "Fate" is a little darker with a more cinematic vision. The larvas of synth flow with a mixture of tones, so that it's difficult to separate the color from the shadows, throwing an aura of fascination that we shall feel only after some listening. And this insidious side of “Tidal Shift” will make its effect rather quickly. Be sure of that. There are so beautiful groans of the synths than their sound effects which burst here and there, while the ceaseless tick-tock of the rhythm lays down an ambient structure which undulates and skips beneath the effects of percussions-sequences-pulsations-jingles-percussive effects. The fluid rhythm, always conceived in a material of harmonious complexity, of "Movement" is the first element of this album which moves us closer to the first E.P. of those 4 friends and of their Modular synths. Fluid and attractive, one still doesn't dance here although with imagination…, it rolls with its small jolts under some nice morphing layers which are the faithful reflections of old Berlin School. Still here, effects of voice from an extraterrestrials' tribe can be felt and they're mumbling over a structure dominating more slightly in its shape of ambient trance.
Effects of voices that we also find on the introduction all in morphing vibes of "Transit". Jingles dance the clapper and seem to irritate a line of bass pulsations of which the knocks resound in another momentum of a metronome. A synth answers to this rhythm by pouring a melodious line as fluid but more pleasant to the ear. Little by little, other synths' effects invite each other, among whom some nice winks of eye to the Exit era of Tangerine Dream, and embellishes this passive structure that we shall always enjoy more and more in the course of its exploration. I wrote about it at the beginning, "Tunnel" is simply magical. Its simple approach and its melody which eats your neurons destabilize with a huge dose of magnificence. It's the kind of melody that doesn't leave you for hours to come, while the jerky movement of the sequencer and the robotics rhythm of the percussions, without forgetting the percussive effects, are as many elements that we want to hear again and again. But it's also as many reasons make "Macroscopic" a little less attractive. Nevertheless, its ambiences should fit marvelously in a lugubrious movie of which the intensity gives sweats to the spectator. It's a sort of Industrial Dark ambient which overflows even beyond the introduction of "Axis" which, after some 3 minutes of dark and a little less inviting atmospheres for an evening where one wants to charm our potential Cupid, is hatching out with a structure of rhythm built upon fluid morphing undulations.
One doesn't say WoW after the first listening of “Tidal Shift”, unless having our neurons and the bases of our two hemispheres are well sharpened. The complexity, in particular at the level of the conception of the rhythms and of the effects of synth which mold these murmurs of another world, of structures competes with this idea that the beauty is find in a first look. It's the very opposite here! “Tidal Shift” is like this very particular experience where we find a very attractive element in the first look and which gives us this desire to look again and again. It's maybe not this love at first sight, but when we hang onto, we seriously stick! I have to say a big bravo to Erren, Fleißig, Schöttler and Steffen for a boldness which in the end is paying, as much for them as for us …
Sylvain Lupari (May 16th, 2018) *****
synth&sequences.com
You will find this album at EFSS Bandcamp

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Toujours très originale, la musique du quatuor Allemand Erren, Fleißig, Schöttler & Steffen transcende le genre Berlin School tout en s'en inspirant librement. Ces 4 musiciens-amis se rencontrent occasionnellement dans la petite municipalité néerlandaise Ouddorp sise sur l'île de Goeree-Overflakkee. Un endroit idyllique qui est propice à des jams sessions qui nous ont donné les fabuleux 3 premiers CD de EFSS. La dernière rencontre du quatuor a eu lieu en Janvier 2018 et les résultats, sans presqu'aucun maquillage sonique, se retrouvent sur ce “Tidal Shift” qui est quelque peu différent. En fait, la séduction auditive se fait désirer après la 1ière écoute. Si "Tunnel", et possiblement "Flood", séduit tout de go, le reste est une tout autre histoire. Sauf que ces 4 amis adeptes des synthés modulaires sont toujours aussi intuitifs et réussissent à attirer nos oreilles avec une palette de couleurs audacieuses pour leurs rythmes, leurs tons et leurs ambiances toujours au sommet de la créativité. 
"Flood" instaure déjà le nouveau climat de EFSS avec un maillage de percussions qui pétillent sur une bonne ligne de basse. Le rythme affiche la régularité d'un métronome auquel on aurait rajouté un collage de cliquetis et d'éléments percussifs qui battent dans une même mesure hypnotique, mais avec des décalages dans les coups. Donc, ça bat constamment comme un concerto de percussionnistes sur des chaudières et chaudrons. Cette structure accueille des murmures de machines et, un peu plus loin, des lamentations de synthés alors que le rythme devient plus pulsatoire et l'effet des voix plus dérangeant si on verse un peu dans une forme de paranoïa. Les percussions et les croassements de la basse sont des éléments de charmes ici. "Fate" est un peu plus sombre avec une vision plus cinématographique. Les larves de synthé coulent avec un mélange de tonalités, si bien qu'il est difficile de séparer la couleur des ombres, jetant une aura de fascination que l'on percevra seulement après quelques écoutes. Et ce côté insidieux de “Tidal Shift” fera son effet assez rapidement, soyez-en assuré. Il y a autant de beaux gémissements des synthés que leurs effets sonores qui éclatent ici et là, alors que le tic-tac incessant du rythme étend une structure ambiante qui ondule et sautille sous les effets des percussions-séquences-pulsations-cliquetis-effets percussifs. Le rythme fluide, toujours conçu dans une étoffe de complexité harmonique, de "Movement" est le premier élément de cet album qui nous rapproche des premiers E.P. des 4 amis et leurs Modulaires. Fluide et attrayant, on n'y danse toujours pas quoiqu'avec de l'imagination…, il roule avec ses petits cahots sous de belles nappes morphiques qui sont des fidèles reflets de la vieille Berlin School. Encore ici, des effets de voix d'une tribu d’extra-terrestres sont perçus et marmonnent sur une structure dominant plus légèrement dans sa forme de transe ambiante.
Des effets de voix que l'on retrouve aussi sur l'introduction toute en ambiances morphiques de "Transit". Des cliquetis dansent la claquette et semblent énerver une ligne de basse pulsations dont les coups résonnent dans un autre élan de métronome. Un synthé répond à ce rythme en coulant une ligne mélodieuse aussi fluide mais plus agréable à l'oreille. Peu à peu, d'autres effets des synthés s'invitent, dont des beaux clins d'œil à la période Exit de Tangerine Dream, et ornent cette structure passive que l'on appréciera toujours un peu plus au fil de son exploration. J'en parlais en ouverture, "Tunnel" est tout simplement magique. Son approche simple et sa mélodie qui mange vos neurones déstabilisent avec une énorme dose de magnificence. C'est le genre de mélodie qui ne vous quitte pas pendant des heures, alors que le mouvement saccadé du séquenceur et le rythme robotique des percussions, sans oublier les effets percussifs, sont autant d'éléments que l'on veut réentendre encore et encore. Mais c'est aussi autant de raisons qui rend "Macroscopic" peu attrayant. Pourtant ses ambiances se prêtent à merveille à un film lugubre dont l'intensité donne des sueurs au spectateur. Du Dark ambiant industriel qui déborde même au-delà de l'introduction de "Axis" qui, après quelques 3 minutes d'ambiances sombres et peu invitantes pour une soirée où on veut charmer son potentiel cupidon, éclot avec une structure de rythme aux fluides ondulations morphiques.
On ne dit pas WoW à la première écoute de “Tidal Shift”, à moins d'avoir nos neurones et les bases de nos deux hémisphères bien éveillées. La complexité, notamment au niveau de la conception des rythmes et des effets de synthé qui moulent ces murmures d'un autre monde, des structures rivalise avec cette idée que la beauté se trouve dans un premier regard. C'est tout le contraire ici! “Tidal Shift” est comme cette expérience très particulière où l'on trouve un élément très attirant au premier regard et qui nous donne cette envie de regarder encore et encore. Ce n'est peut-être pas ce coup de foudre, mais quand on accroche, on accroche sérieusement! Je dois dire au gros bravo à Erren, Fleißig, Schöttler & Steffen pour une audace qui au final est payante pour eux comme pour nous…

Sylvain Lupari (16/05/18)

mardi 15 mai 2018

DASK: Abiogenesis (24 Bit Edition) 2017

What can I say about the music of Abiogenesis? It's DASK, pure DASK with its load of old Berlin School's sequencing patterns in an evolving ambiospherical décor


1 Lifeless Worlds 3:20
2 Storms on Venus 9:32
3 Kingdom of Dust 9:14
4 Storms on Mars 2:12
5 Blind Orbit 6:48
6 Mass Forming 7:12
7 Abiogenesis 10:12
8 Protocell 7:10
9 Still Water 4:16

DASK Music (DDL 59:56)
(Retro Berlin School)
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   **Chronique en français plus bas**

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Released at the beginning of 2017, “Abiogenesis” would be the very first album of DASK. And already the influences of Tangerine Dream, at the level of the structures of sequences and of the mysterious mists, have blown over this ambitious work of nebulous atmospheres and of Berlin School rhythms which depicts the creation of the life from a non-living matter. Ambitious, because of the complexity of the subject that David Marsh transposes aptly into music. And as a creation goes by a process which develops slowly, the themes of “Abiogenesis” passes from an idea into music with a nice texture of iodized and ochred vapors which inject a sonic adrenalin into good structures of rhythms where the reminiscences of TD bring us up until Redshift.
"Lifeless Worlds" is one of these many titles in this album which corresponds to the meaning of its idea. The music is covered of lines which float with their piercing and scarlet colors in an amorphous universe. The movement is slow and sculpts the themes of these soundscapes which we see in documentaries on the evolutions of planets. It's of these atmospheres, a little less painted by acid colors, that the procession of "Storms on Venus" goes to a phase of sequenced rhythm livened up by a good duel of tones. If a line of sequences is fluid with its roundness of bass, another one emits organic signals which are reflected in a panoramic echo, allowing another line to support a rhythmic melody in an endless horizon. "Kingdom of Dust" proposes an introduction which progresses between its ethereal sound elements and some invading rumblings which give it an approach as sinister as alarming. Mists and dusts of the nothingness stuff these moments whereas quite slowly this sound mass faints at about the 5 minutes to make a small place for a structure of very melodious sequence and among which the approach, always near the global drama, is supported by threatening knocking. And this phase flies away in an electronic ballet where some circles get twin to gallops, structuring these unthinkable and unique to those rhythms of Berlin School. "Storms on Mars" is an ambiospherical passage where hides a short synth melody. As every title is separated in “Abiogenesis”, to speak about a prelude to the heavy "Blind Orbit", which does very Redshift, would be deceitful. But the idea remains as likely as very attractive. A splendid title with a very creative use of the sequencer, "Blind Orbit" has all the tools to be the core of this album.
The elements of atmospheres which structure the opening of "Mass Forming" are in the tones. There is a real sound mass where sparkle ideas which stand out as the title progresses. Sometimes musical and sometimes very acid, this mass amasses as much life than irrecoverable materials before turning into rhythm without life but not without noises. The finale does very intense and would fit very well with a scene of a movie horror on the edge of its outcome. The title-track is the most ethereal of this album. And when I say ethereal, I speak about the atmosphere. Because the rhythm is sculpted on a splendid movement of the sequencer modulating these perpetual loops which rise and fall. The approach is fluid and magnetizing, while the sequences splatter of juicy, crunchy and musical tones beneath layers of seraphic voices. That's another very solid track! The same goes for the following one, "Protocell". After an introduction very textural at the ambiospherical level, keyboard riffs throw the excitement with very TD reminiscences, period Hyperborea (finale of Sphinx Lightning). These strange riffs, which remind me these lost chords in Sergio Leone's western movies, bring us towards a rush of big slim gallops running to escape this series of big knockings which amplify even more the charm of a rhythm in imbalance. Some ghostly synth lines of hunt down these gallop while the movement of the sequencer and of the raucous loosens other jumping balls and knockings which skip and resound to the refusal of a continual chassé-croisé of percussive elements. "Still Water" concludes this other very nice album of DASK with images put into music the activities of the Sea of Tranquility.
David Marsh possesses this gift of putting well into music his concepts, his stories with a fascinating precision. The atmospheres of “Abiogenesis”, and their transitions, their evolutions towards rhythms very Berlin School justify the means to connect better his music to the expectations of his public while respecting the meanings behind each title. I find that it gives some more of depth to the music of DASK. And depth here... is loading the album from A to Z.

Sylvain Lupari (May 14th, 2018) *****
synth&sequences.com
You will find this album on DASK Bandcamp

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Paru en début 2017, “Abiogenesis” serait le tout premier album de DASK. Et déjà les influences de Tangerine Dream, au niveau des structures des séquences et des brumes mystérieuses, soufflaient sur cette ambitieuse œuvre d'atmosphères nébuleuses et de rythmes à la Berlin School qui dépeint la création de la vie à partir d'une matière non vivante. Ambitieux, à cause de la complexité du sujet que David Marsh transpose en musique avec justesse. Et comme une création passe par un processus qui se développe lentement, les thèmes de “Abiogenesis” passent de l'idée à la musique avec une belle texture de vapeurs iodées et ocrées qui injectent une adrénaline sonique à de bonnes structures de rythmes où les réminiscences de TD nous amène jusqu'à du Redshift.
"Lifeless Worlds" est l'un de ces nombreux titres dans cet album qui correspond avec le sens de son idée. La musique est bardée de lignes qui flottent avec leurs couleurs criardes et écarlates dans un univers amorphe. Le mouvement est lent et sculpte les thèmes de ces panoramas soniques que l'on voit dans des documentaires sur les évolutions des planètes. C'est de ces ambiances, un peu moins peintes de couleurs acides que la procession de "Storms on Venus" se dirige vers une phase de rythme séquencé animée par un bon duel de tonalités. Si une ligne de séquences est fluide avec ses rondeurs de basse, une autre émet des signaux organiques qui se reflètent dans un écho panoramique, permettant à une autre ligne d'étayer une mélodie rythmique dans un horizon sans fin. "Kingdom of Dust" propose une introduction qui progresse entre ses éléments soniques éthérés et des grondements envahissants qui lui donne une approche aussi sinistre qu'alarmante. Les brumes et les poussières du néant farcissent ces moments alors que tout doucement cette masse sonore s'évanouit vers les 5 minutes afin de faire une petite place à une structure de séquence très mélodieuse et dont l'approche, toujours près du drame planétaire, est soutenu par des cognements intimidants. Et cette phase s’envole dans un ballet électronique où les cercles se mêlent à des galops, structurant ces rythmes impensables et uniques à la Berlin School. "Storms on Mars" est un passage ambiosphérique où se cache une brève mélodie synthétisée. Comme chaque titre est séparé dans “Abiogenesis”, parler d'un prélude au lourd "Blind Orbit", qui fait très Redshift, serait mensonger. Mais l'idée reste aussi probable que très séduisante. Un splendide titre avec une utilisation très créative du séquencer, "Blind Orbit" a tous les outils pour être le cœur de cet album.
Les éléments d'ambiances qui structurent l'ouverture de "Mass Forming" sont dans les tons. Il y a une véritable masse sonore où pétillent des idées qui sortent du lot au fur et à mesure que le titre progresse. Tantôt musicale et tantôt très acide, cette masse amasse autant de vie que de matières irrécupérables avant de se diriger vers un rythme sans vie mais pas sans bruits. La finale fait très intense et irait très bien avec une scène d'horreur sur le bord de son dénouement. La pièce-titre est la plus éthérée de cet album. Et lorsque je dis éthérée, je parle de l'ambiance. Car le rythme est sculpté sur un splendide mouvement du séquenceur qui module ces sempiternelles boucles qui montent et descendent. L'approche est fluide et magnétisante, alors que les séquences miroitent de tonalités juteuses, croustillantes et musicales sous de nappes de voix séraphiques. Un autre titre solide! Idem pour le suivant, "Protocell". Après une introduction très texturale au niveau ambiosphérique, des riffs de clavier jettent l'émoi avec des réminiscences très TD, période Hyperborea (finale de Sphinx Lightning). Ces étranges riffs, qui me rappellent ces notes de western égarées dans les films de Sergio Leone, nous amènent vers une ruée de grands galops élancés courant pour échapper à cette série de cognements qui amplifient encore plus le charme d'un rythme en déséquilibre. De fantomatiques lignes de synthé chassent ces galops alors que le mouvement du séquenceur et du tapageur délie d'autres ions et cognements qui sautillent et résonnent à la dérobade dans un chassé-croisé d'éléments percussifs. "Still Water" conclut cet autre bel album de DASK avec les image en musique des activités de la Mer de la Tranquillité.
David Marsh possède ce don de bien représenter en musique ses concepts, ses histoires avec une fascinante justesse. Les atmosphères de “Abiogenesis” et leurs transitions, leurs évolutions vers des rythmes très Berlin School justifient les moyens afin de mieux connecter sa musique avec les attentes de ses auditeurs tout en respectant les significations derrière chaque titre. Je trouve que ça donne encore plus de profondeur à la musique de DASK. Et de la profondeur, il y en a plein dans cet album.

Sylvain Lupari (14/05/18)

dimanche 13 mai 2018

POLARIS: Desert Run (2018)

“This comeback of Polaris is a good breath of fresh air in the spheres of EM with an approach highly stylized and surprisingly eclectic”

Fata Morgana 13:16
Derweze 9:34
Dunes 11:40
Hasting's Cutoff 9:50
Oasis 8:12

GEN CD 045 (CD 52:32)
(Berlin School, E-Rock and EDM)
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   **Chronique en français plus bas**

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Humm…quite a comeback from Polaris! Near, or more, four years after Way Out, Jakub Kmiec gets out of his den to offer an album which will surprise more than one. An electronic ode on the theme of desert, “Desert Run” entails in its trail this signature of Polaris' EDM in structures clearly more elaborate than on his previous albums. The result gives a rather particular style where we find essences of Jarre, for the cosmic decor, Kitaro for the harmonization of the synthesized melodies, Tangerine Dream for the effects and the spirals of sequences and finally Redshift for many other elements.
It's moreover in the perfumes of Logos that "Fata Morgana" gets organized around our ears. A dark veil imagined in the cave of Redshift spreads layers of chthonian voices around this meshing of percussions and sequences which dribble its keys in a rhythmic which goes towards this electronic rock that we still don't know how to dance. Evolving in two phases, "Fata Morgana" corresponds perfectly to the meaning of its idea with a sound mirage where the diverse periods of Tangerine Dream form an ear-catchy symbiosis. Like this guitar which spits its riffs, which would like to turn into furious solos, and this phase of sequences which goes as these crazy balls in an abacus activated by a gearing out of control. It's in this moment, around 6:30 minutes, that the sequencer activates its madness, modifying a structure which becomes more uncluttered and more lively. The fans of Chris Franke's ingenious sequencing patterns are going to devour this title. "Derweze" is in pure Redshift mode, both for the ambiences and for the use of the sequencer which presents its Tangerine Dream influences. Let's that it describes perfectly this legend of the Gates of Hell on Earth situated in the Turkmenistan desert. "Dunes" will be party of these titles put in my iPod, section Best EM tracks of 2018. Rolling in Floydian mists, some rather intense synth solos get out of layers filled with reverberating cracklings. A small footstep of the sequencer and hop …A sublime synth line, more than too harmonious, goes down from the clouds with an irrevocable influence on our charms. The sequencer stammers another approach at the same time as a good bass line invites itself behind this harmonious gift. And everything goes fast! The percussions which come to dance with the keyboard riffs and propel the music towards a lively structure where threads of melodies roll in loops on a structure a bit jerky, but always very animated. Divided between its magnificent whistled melody and its Kitaro solos style, "Dunes" retreats towards a narrow corridor of ambiospherical elements before springing with strength, rambling its 2nd part between its phases of ambivalences. I have to tell you that it's this kind of music that leads me to madly love EM and its multiple possibilities.
Chords quivering like clackers prisoners in a foggy echo tickle charmingly our sense of hearing. This zigzagging movement coming from the far drags a meshing of pulsations and acoustic percussions which will be the base of a bidirectional rhythmic structure. Some arpeggios flutter above, while the presence of mist amplifies the atmospheric side of "Hasting's Cutoff", a title which gets the most closer of the hymns EDM that we found on the album Way Out, but in an envelope a little bit Cosmic Funk, a la Robert Schroëder. "Oasis" is sculpted in the same mold. This time, the rhythm escapes from an orchestral fog from where arises a line of bass pulsation and an armada of sequences which flicker quickly, like in those big electronic rocks of TD in their Miramar years. The 2nd part proposes another rendezvous with the dexterity of Jakub Kmiec and his synth solos which will seduce you more than once throughout this album filled of surprises. And there, I didn't even mention the very Franke pattern of sequences of the Logos years which are flickering with a good pace in this finale, as well as in a lot of places in “Desert Run”.
This comeback of Polaris is a good breath of fresh air in the spheres of EM with an approach highly stylized and surprisingly eclectic. Surfing comfortable between several styles and influences, of which the links are imperceptible and nevertheless tangible, “Desert Run” is a journey in the heart of a EM where all its ingredients melt together in a symbiosis of the most charming. There is the a very good and a beautiful EM in this other little jewel, always carefully covered with a beautiful digipack, from the Polish label, Generator PL.

Sylvain Lupari (May 13th, 2018) **** ¼*
synth&sequences.com
You will find this album on Generator PL


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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Humm…, tout un retour de Polaris! Près, ou plus, de 4 ans après Way Out, Jakub Kmiec sort de sa tanière pour offrir un album qui en surprendra plus d'un. Ode électronique sur le thème du désert, “Desert Run” entraîne dans son sillage cette signature d'EDM de Polaris dans des structures nettement plus élaborées que dans ses albums précédents. Il en résulte en un style assez particulier où on retrouve des essences de Jarre pour le décor cosmique, de Kitaro pour les harmonisations des mélodies synthétisées, de Tangerine Dream pour les effets et les spirales des séquences et finalement de Redshift pour bien d'autres éléments.
C'est d'ailleurs dans des parfums de Logos que "Fata Morgana" s'organise autour de nos oreilles. Un voile obscur imaginé dans l'antre de Redshift étend des nappes de voix chthoniennes autour de ce maillage de percussions et de séquences qui driblent une rythmique qui tangue vers ce rock électronique dont on cherche encore une façon de le danser. Évoluant sur deux phases,"Fata Morgana" correspond parfaitement au sens de son idée avec un mirage sonore où les diverses périodes de Tangerine Dream forment une séduisante symbiose. Comme cette guitare qui crache ses riffs, qui aimeraient bien se transformer en solos rageurs, et cette phase de séquences qui roulent comme ces boules folles dans un boulier activé par un engrenage dérèglé. C'est à ce moment, autour des 6:30 minutes, que le séquenceur active sa folie, modifiant une structure qui devient plus épurée et plus entraînante. Les amateurs des séquences à la Chris Franke vont dévorer ce titre. "Derweze" est en pur mode Redshift, tant pour les ambiances que pour l'utilisation du séquenceur qui étale ses influences de Tangerine Dream. Disons qu'il décrit avec justesse cette légende des portes de l'enfer sur Terre situées dans le désert Turkménistan. "Dunes" fera parti de ces titres à mettre dans mon iPod, section meilleurs titres de MÉ en 2018. Roulant dans des brumes Floydiennes, des solos de synthé assez intenses sortent d'entre des nappes gorgées d'un grésillement réverbérant. Un petit pas du séquenceur et hop…Une sublime ligne de synthé plus que trop harmonieuse descend des nues avec une emprise irrévocable sur nos charmes. Le séquenceur bredouille une autre approche en même temps qu'une bonne ligne de basse s'invite derrière ce cadeau harmonique. Et tout va vite! Les percussions qui viennent dansent avec les riffs de clavier et propulsent la musique vers une structure enlevante où les fils de mélodies roulent en boucles sur une structure un brin saccadé, mais toujours très entraînante. Divisé entre sa magnifique mélodie sifflotée et ses solos à la Kitaro, "Dunes" retraite vers un étroit corridor d'ambiances avant de jaillir avec force, promenant sa 2ième entre ses phases d'ambivalences. Disons que c'est ce genre de titre qui nous fait tomber en amour avec les multiples possibilités de la MÉ.
Des accords tressaillant comme des tac-tac (des clackers) prisonniers dans un écho brumeux chatouillent délicieusement notre ouïe. Ce mouvement zigzagant venu du loin entraine un maillage de pulsations et de percussions acoustiques qui seront la base d'une structure rythmique bidirectionnelle. Des arpèges volètent au-dessus, alors que la présence de brume amplifie le côté ambiance de "Hasting's Cutoff", un titre qui se rapproche le plus des hymnes EDM que l'on retrouvait sur l'album Way Out, mais dans une enveloppe un peu Cosmic Funk à la Robert Schroeder. "Oasis" est sculpté dans le même moule. Cette fois-ci, le rythme s'échappe d'un brouillard orchestral d'où surgit une ligne de basse pulsation et une armada de séquences qui papillonnent vivement comme dans les gros rocks électroniques de TD dans leurs années Miramar. La 2ième partie propose un autre rendez-vous avec la dextérité de Jakub Kmiec et ses solos de synthé qui en séduiront plus d'un tout au long de cet album bourré de surprises. Et là, je ne vous ai pas parlé du pattern de séquences très Franke dans les années Logos qui butinent dans cette finale, de même qu'à plein d'endroits dans “Desert Run”.
Ce retour de Polaris est une bonne bouffée d'air frais dans les sphères de la MÉ avec une approche hautement stylisée et étonnement éclectique. Surfant à l'aise entre plusieurs styles et influences, dont les liens sont imperceptibles et pourtant tangibles, “Desert Run” est un voyage au cœur d'une MÉ où tous ses ingrédients se fondent en une symbiose des plus enchanteresse. Il y a de la très bonne et belle MÉ dans cet autre petit bijou, toujours soigneusement recouvert d'une belle pochette digipack, du label Polonais Generator PL.

Sylvain Lupari (13/05/18)

vendredi 11 mai 2018

SKOULAMAN: Next Step in Evolution (2018)

“Next Step in Evolution is good musical album with floating beats which finds their way easily between our ears and to the bottom of our eardrums”

1 Colored Glass 11:26
2 Foreign Woods 13:56
3 EC2 12:38
4 Rumble 13:57
5 Ocean and Air Guitar 8:07
6 Colored Glass Alternate 17:49
Groove nl | GR-247 (CD 77:56)
(Netherlands School)
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   **Chronique en français plus bas**
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The sigh saddening from a very Vangelis synth awakens a dreamlike introduction by drifting lazily between the twinkling prisms and chords which hesitate between a melodic avenue or a cosmic wandering. The delicacy in the deposit of the keyboard keys is faithful to the signature of the one who was a beautiful revelation in 2014 with Dreaming of the Future Reflecting the Past. The approach is closer to stars with this sensation of weightlessness which moderates this bed of noisy stuffs which nibble at our ears, whereas the sequencer weaves a rhythmic pattern which goes and comes, playing cat and mouse with our hearing, with an elastic effect in its upward influence. The tone is shown to "Colored Glass" because “Next Step in Evolution” leans on these movements of slow sequencing pattern, sometimes they turn more fluid, which serve the cause to these structures of ambiences and of harmonies built on the basis of improvisations. Another line of sequence congeals its more crystal clear balls which swirl in a motionless envelope, giving this freedom to Rik van Kroonenburg's guitar to throw of riffs and solos, in simultaneous with the synth, which travel through the seraphic mists and other effects of a synth which anchor the music of Hans Van Kroonenburg, aka Skoulaman, in a galaxy not too much far from that of Gert Emmens. With its sequences a little bit foggy, originator of seraphic rhythms, the music of Skoulaman has really took off with its last album, Andros Awakenings. “Next Step in Evolution” follows this tangent with a scenic organization which flirts with this approach of live on a base of improvisation which condemns not at all his vision of sound poetry of which the wide specter of brilliance inhales the soft musing of Vangelis. Like in this introduction of "Foreign Woods" where the keyboard lays down a lunar lullaby strummed with this sensation of small knocks from a metallic hammer on a glass xylophone. The debit varies as the jets of mists. The rhythm which comes from the point of 5 minutes of the of this cosmic musing reminds that of Software, the orchestrations of mist too, in the years 85-88. The sequences swirl as carousels illuminated with hundred lights in a structure which wanders between these phosphorescent lines and these lines of celestial voices which accentuate the depth of the fog effects. "EC2" follows with samplings of alive nature where the chants of birds are cooing on the bright reflections of a water very alive in its bed of rockery. Tearful synth layers are falling and they spread reverberating shadow, sculpting a fascinating funeral ode. It's mostly here that we feel this live vibe of this album. Rarely, an artist will have been so close to my ears! The residues of this elegy is floating and forms some fuzzy sound hoops which get in a jerky trance.
This is how a first phase of rhythm gets born in "EC2" Always very soft and poetic, Hans Van Kroonenburg lays here some melodious chords of which the tinkling roam through a sneaky shadow which took the place of those hoops and restructures the rhythm under the aegis of a synth and of its apocalyptic lines. Fat and juicy sequences get in, amplifying the rhythmic genesis which becomes like the steps of a big clumsy giant running to the left and to the right of our ears. More bright arpeggios add the harmonious touch to this track which in the end crumbles very well its 12 minutes. This structure of sequences rolls the rhythm a little slower in "Rumble" of which the illusion that it wins in velocity is simply superb. The rumbling results from the multi-lines of synths the of which violence are dropping layers of voices as much celestial as the orchestrations without forgetting those vampiric harmonious licks and melodious solos. This is a great track made on the model of Berlin School! The introduction is short for "Ocean and Air Guitar". After the samplings of waves dying on shores, this movement of sequences which rises and comes down without really conviction turns to rock this hypnotic rhythm which makes the link between the structures of “Next Step in Evolution”. An ideal structure to also put down an atmosphere of the most ethereal, giving a chance to Rik van Kroonenburg to spread his solos, sometimes furious and sometimes anesthetic, of which the answers of his father are translated by more aerial soloes and banks of mist where sing one thousand stars. Once again, this is very nice! Taking advantage of its 18 minutes to structure well its opening and the morphology of its rhythmic evolutionary structure, "Colored Glass Alternate" is an alternate vision of the first title without the presence of Skoulaman's son on guitar. The synth solos are replacing the laments of the six-strings and thin lines of additional sequences, as well as very nice percussive effects, add a charming depth to a more lively, a more fluid structure of this version which enchants me much more than "Colored Glass".
Once again, I spent some very good time with the music of Skoulaman. Easy to tame and without a detour towards a form of complexity, the music of “Next Step in Evolution” is beautiful and finds its way easily between our ears and to the bottom of our eardrums. We dream easily on it and we get surprised to appreciate its lightness so much the musical and harmonious aspect is important in the sound ship of Skoulaman. We cannot like it, as much as we cannot shout to genius! It flows and coos between the ears, like a nice evening of sonic poetry.
Sylvain Lupari (May 11th, 2018) ****¼*
synth&sequences.com
Available on Groove NL
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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Le soupir affligeant d'un synthé très Vangelis allume une introduction onirique en dérivant paresseusement entre des prismes scintillants et des accords qui hésitent entre une avenue mélodique ou une errance cosmique. La délicatesse dans le dépôt des notes sur un clavier est fidèle à la signature de celui qui fut une belle révélation en 2014 avec Dreaming of the Future Reflecting the Past. L'approche est plus près des étoiles avec cette sensation d'apesanteur qui tempère ce lit de matières bruiteuses qui grignotent nos oreilles, alors que le séquenceur tisse une formule rythmique qui va et vient, jouant au chat et à la souris avec notre ouïe, avec un effet élastique dans son emprise ascensionnelle. Le ton est montré à "Colored Glass" puisque “Next Step in Evolution” s'appuie sur ces mouvements de séquences lents, et parfois un peu plus fluides, qui servent la cause à des structures d'ambiances et d'harmonies construites sur la base d'improvisations. Une autre ligne de séquence fige ses ions plus limpides qui tournoient dans une enveloppe stationnaire, donnant la liberté à la guitare de Rik van Kroonenburg de lancer des riffs et des solos, en simultané avec le synthé, qui voyagent à travers les brumes séraphiques et autres effets de synthé qui ancrent la musique de Hans Van Kroonenburg, aka Skoulaman, dans une galaxie pas trop loin de celle de Gert Emmens. Avec ses séquences un peu brumeuses, forgeuses de rythmes séraphiques, la musique de Skoulaman a pris tout son envol avec son dernier album, Andros Awakenings. “Next Step in Evolution” suit la tangente avec une organisation scénique qui flirte avec cette approche du direct sur une base d'improvisation qui ne brime en rien sa vision de poésie sonique dont le large spectre de rayonnement respire les douces rêveries de Vangelis. Comme dans cette introduction de "Foreign Woods" où le clavier couche une berceuse lunaire pianotée avec cette sensation de petits coups de marteaux métalliques sur un xylophone en verre. Le débit varie celui des jets de brumes. Le rythme qui vient après la barre des 5 minutes de cette rêverie cosmique rappelle celui de Software, les orchestrations de brume aussi, dans les années 85 à 88. Les séquences tournoient comme des carrousels illuminés de cents lumières dans une structure qui vagabonde entre ces lignes phosphorescentes et ces lignes de voix célestes qui accentuent la profondeur des effets de brouillard. "EC2" suit avec des échantillonnages de nature vivante où chants d'oiseaux roucoulent sur les reflets lumineux d'une eau vivante dans son lit de rocailles. Des nappes de synthé très larmoyantes tombent et étendent une ombre réverbérante, sculptant une fascinante ode funèbre. C'est à cet endroit que l'on sent cette approche de prise en direct de cet album. Rarement, un artiste aura été aussi proche de mes oreilles! Les résidus de cette élégie flottent et forment des cerceaux soniques flous qui se mettent en transe saccadée.
C'est ainsi qu'une première phase de rythme nait dans "EC2" Toujours très tendre et poétique, Hans Van Kroonenburg couche des accords mélodieux dont les tintements parcourent une ombre sournoise qui a pris la place des cerceaux et restructure le rythme sous l'égide d'un synthé et de ses lignes apocalyptiques. Des séquences grasses et juteuses prennent alors place, amplifiant la genèse rythmique qui devient comme les pas d'un gros géant maladroit courant à gauche et à droite de nos oreilles. Des arpèges plus lumineux ajoutent la touche harmonique à ce titre qui émiette très bien ses 12 minutes. Cette structure de séquences roule le rythme un peu plus lent dans "Rumble" dont l'illusion qu'il gagne en vélocité est superbe. Le grondement provient des multi-lignes de synthés dont les violences échappent des nappes de voix aussi célestes que les orchestrations ainsi que des solos vampiriques et harmoniques. Un gros titre électronique sculpté sur le modèle de la Berlin School! Le préambule est court pour "Ocean and Air Guitar". Après les échantillonnages de vagues mourant sur les rives, ce mouvement de séquences qui monte et descend sans vraiment de conviction retourne bercer ce rythme hypnotique qui fait le joint entre les structures de “Next Step in Evolution”. Une structure idéale pour coucher aussi une ambiance des plus éthérées, donnant une chance à Rik van Kroonenburg de déposer ses solos tantôt rageurs et tantôt anesthésiants dont les réponses de son père se traduisent par des solos plus aériens et des bancs de brume où chantent mille étoiles. Encore une fois, c'est très beau! Profitant de ses 18 minutes afin de bien structurer son ouverture et la morphologie de sa structure évolutive rythmique, "Colored Glass Alternate" est une reprise du premier titre de “Next Step in Evolution” sans la présence du fils de Skoulaman à la guitare. Les solos de synthé remplacent les complaintes de la six-cordes électrique et des filets de séquences supplémentaires, ainsi que de très beaux effets percussifs, ajoutent une belle profondeur à une structure plus vive, plus fluide à cette version qui m'enchante bien plus que "Colored Glass".
Encore une fois, j'ai passé de très bons moments avec la musique de Skoulaman. Simple et sans détour vers une forme de complexité, la musique de “Next Step in Evolution” est belle et se loge très bien dans le fond de nos tympans. On y rêve aisément et on se surprend à apprécier sa légèreté tant l'aspect musical et harmonique est important dans le vaisseau Skoulaman. On ne peut pas ne pas aimer, comme on ne peut crier au génie! Ça coule et roucoule entre les oreilles, comme une belle soirée de poésie sonique.
Sylvain Lupari 11/05/18

jeudi 10 mai 2018

['RAMP]: No Sleep 'til Wilmersdorf (2018)

“No Sleep 'til Wilmersdorf is literally a tale put in music and in sounds where Stephen Parsick brings us in his den and where we get out of it marked by a fascinating breathtaking beauty”

1 compact phasing a 11:25
2 no sleep 'til wilmersdorf 16:55
3 clouds should say 4:31
4 haunted hills 8:01
5 salomon's road 11:23
6 oedipus 8:45
7 orphelia 10:45
8 the last one to leave is to turn off the lights 3:56

Doombient.Music | ramp011 (CD 75:59)
(Berlin School)
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   **Chronique en français plus bas**

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Stephen Parsick! Even in his environment more than usual, the German musician ends always to amaze and especially seduce. The style analog Berlin School is really dried up? Several people think that there is no more juice in the lemon. And nevertheless, album after album, the man in black of the contemporary EM brings us in his domains by proving completely the opposite. Written between 2014 and 2016, “No Sleep 'til Wilmersdorf” is a journey in Stephen Parsick's childhood memories. This 15th opus of ['ramp] was conceived idea by idea, souvenir to souvenir with the favorite tones that Stephen has amassed throughout these 15 albums. Orchestrations and Mellotron give gooseflesh to us while the synths and sequencers forge these rhythms and these ambiences which brings us in these territories where the Berlin School style is like a fountain of Youth in the hands of the master of the Doombient universe.
Credit where credit's due, it's the orchestrations stolen from the Mellotron which open the very floating "compact phasing a". Let's imagine to drive a space shuttle! It's this sensation which encloses our emotions with this tearful weaving of violins which floats such as a shuttle going adrift and propelled by intersidereal winds which waltz with the timeless clock. There is no second of too many to the meter so much the sweetness of "compact phasing a" is rocking our feelings. The hollow winds lead us to the sinister approach of the title-track where the Mellotron and the orchestrations establish the ['ramp] atmosphere. Impatient, the sequencer doesn't waste time to breathe. Its keys skip in a zigzagging and ascending approach, while the synth layers throw chthonian hazes. Not really boosted but all the same dominating, the rhythm of "no sleep ' til wilmersdorf" adds percussions to its cadence move forward- move back while the synths perfume the ambiences with these tones which made of Tangerine Dream so unique. Playing on the modulations of the sequencer, Stephen Parsick polishes up his minimalist structure of some additions, among which short lines which dance slightly with a harmonious envelope, which seduce even more the ears, leading even "no sleep ' til wilmersdorf" towards one finale crowded of arrhythmic bass pulsations. The dark vapors throw themselves into "clouds should say" which is a floating title. A title of atmospheres with quiet breezes which float on a cozy bed of jingles. One remembers the Steel and Steam album? This union with Mark Shreeve had given an album as excellent as all the expectations. The music of "haunted hills" is loaded of these ambiences. The introduction is sneaky with a rhythm forged by the gallop of a one-legged man concentrated on the same pace. Some percussive ornamental elements decorate this rhythmic procession which passes from some lively Arabian layers to an oniric mood with clouds of violins' airs and flutes can create. Splendid!
I would say that we are in the best, in the core of this album and still surprises come along. Like this structure of Peter Baumann's beat in Meridian Moorland which will haunt your ears in "salomon's road", the most ear-catchy track that I heard this year, if not since a big while. The rhythm is forged by multi-line of sequences which, put following the others, form a concerto for players of castanets on acid. If this structure is ear-catchy by its disconnected form which holds itself nevertheless by a main thread, the melody which whistles on this obsessing structures of rhythm is the most beautiful musical itch to have enchanted me since moons. A recorder whistling a virgin air! Varying the tone of its feelings which pass from grave to acute, the melody takes refuge at times within banks of mist where tinkle a dreamy electric piano. Shivers and goosebumps guaranteed! "Oedipus" keeps this degree of emotionalism but with a more sinister approach. It's a title which breathes of this Mephistophelian air of those first melodies played on a Mellotron. The air played is not really far from the previous one, but in a more taciturn vision. The murmurs of the shadows and the ambient noises which are added brings us to "orphelia", a title built on slow oscillations which become more and more fluid as the Arabian atmospheres of the orchestrations drag the rhythm in its stride. Layers of chthonian voices and percussive effects amplify this contrast which livens up another magnetizing title due to the structure of its rhythm and of its orchestral licks. The 2nd part of "orphelia" is more ambient and leads us toward one finale, "the last one to leave is to turn off the lights", where the e-piano and the atmospheres are great representatives of its meaning.
What an album my friends! “No Sleep 'til Wilmersdorf” is literally a tale put in music and in sounds where Stephen Parsick brings us in his den and where we get out of it marked by the greatness of an album which, even in its envelope of darkness, is of a fascinating breathtaking beauty. There are many jewels here and the traps of their charms are merciless for our feelings. A wonderful album by the great prince of dark and intimidating EM of the Berlin School of the analog years. Only 222 copies were made of it, so you will have to go on Stephen Parsick's

Sylvain Lupari (May 10th, 2018)
synth&sequences.com
You will find this album on ['ramp] Bandcamp

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CHRONIQUE en FRANÇAIS
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Sapré Stephen Parsick! Même dans son environnement plus que coutumier, le musicien Allemand fini toujours par étonner et surtout séduire. Est-ce que le style Berlin School analogue est vraiment tari? Plusieurs pensent qu'il n’y a plus grand jus dans le citron. Et album après album, l'homme en noir de la MÉ contemporaine nous amène dans ses domaines en prouvant tout à fait le contraire. Composé entre 2014 et 2016, “No Sleep 'til Wilmersdorf” est un voyage dans les souvenirs d'enfants de Stephen Parsick. Ce 15ième opus de ['ramp] a été conçu idée par idée, souvenir par souvenir avec les tonalités favorites que Stephen a amassé tout au long de ces 15 albums. Les orchestrations et le Mellotron nous donnent la chair de poule alors que les synthés et séquenceurs forgent ces rythmes et ces ambiances qui nous amène dans ces territoires où le Berlin School est comme une fontaine de Jouvence entre les mains du maître de l'univers Doombient.
À tout seigneur tout honneur, ce sont les orchestrations volées au Mellotron qui ouvrent le très planant "compact phasing a". Imaginons-nous conduire une navette spatiale! C'est cette sensation qui enserre nos émotions avec ce tissage de violons larmoyant qui flotte comme une navette à la dérive propulsée par des vents intersidéraux qui valsent avec l'horloge intemporelle. Il n'y a pas une seconde de trop au compteur tant la douceur de "compact phasing a" berce nos émotions. Les vents creux nous conduisent à la sinistre approche de la pièce-titre où le Mellotron et les orchestrations instaurent le climat ['ramp]. Impatient, le séquenceur ne perd pas de temps pour se mettre en évidence. Ses ions sautillent dans une approche zigzagante et ascendante, alors que les nappes de synthé lancent des vapeurs chthoniennes. Pas vraiment survolté mais tout de même dominant, le rythme de "no sleep 'til wilmersdorf" ajoute des percussions à sa cadence avance-recule alors que les synthés parfument les ambiances avec ces tonalités qui rendaient Tangerine Dream si unique. Jouant sur les modulations du séquenceur, Stephen Parsick peaufine sa structure minimaliste de quelques ajouts, dont des courtes lignes qui dansottent avec une enveloppe harmonique, qui séduisent encore plus les oreilles, conduisant même "no sleep 'til wilmersdorf" vers une finale bondée de basses pulsations arythmiques. Les vapeurs ténébreuses se jettent dans "clouds should say" qui est un titre flottant. Un titre d'ambiances avec des brises calmes qui flottent sur un douillet lit de cliquetis. On se souvient de l'album Steel and Steam? Cette union avec Mark Shreeve avait donné un album tout simplement à la hauteur des toutes les attentes. La musique de "haunted hills" trempe dans ces ambiances. Le préambule est sournois avec un rythme forgé par le galop d'un unijambiste concentré sur la même cadence. Des éléments percussifs décoratifs ornent cette procession rythmique qui passe par des couches d'ambiances arabiques aussi oniriques que des nappes de violons chanteurs et de flûtes peuvent créer. Superbe!
Je dirais que nous sommes dans le meilleur de cet album et la structure de rythme à la Peter Baumann (Meridian Moorland) hantera vos oreilles dans "salomon's road", le titre le plus accrocheur que j'ai entendu cette année. Le rythme est forgé par des multi lignes de séquences qui, mises à la suite des autres, forment un concerto pour joueurs de castagnettes sur acide. Si cette structure est séduisante par sa forme décousue qui tient néanmoins par un fil conducteur, la mélodie qui siffle sur cette obsédante structure de rythme est le plus beau ver-d'oreille à m'avoir ensorcelé depuis des lunes. Une flûte à bec sifflant un air virginal. Variant la tonalité de ses émotions qui passent de grave à aigues, la mélodie se réfugie par moments dans des bancs de brumes où tintent un délicat piano électrique. Frissons et chair de poule garantis! "oedipus" conserve ce degré d'émotivité mais avec une approche plus sinistre. C'est un titre qui respire de cet air méphistophélique des premières mélodies jouées sur un Mellotron. L'air joué n'est pas vraiment loin de la précédente, mais dans une vision plus taciturne. Les murmures des ombres et les bruits ambiants qui s'ajoutent nous amène à "orphelia", un titre monté sur de lentes oscillations qui deviennent de plus en plus fluides à mesure que les ambiances arabiques des orchestrations entraînent le rythme de leurs foulées. Des nappes de voix chthoniennes et des effets percussifs amplifient ce contraste qui anime un autre titre magnétisant de par la structure de son rythme et de ses nappes orchestrales. La 2ième partie de "orphelia" est plus ambiante et nous amène à une finale, "the last one to leave is to turn off the lights", où le piano et les ambiances sont de dignes représentants de son sens.
Quel album mes amis! “No Sleep 'til Wilmersdorf” est littéralement un conte en musique et en sons où Stephen Parsick nous amène dans sa tanière et où l'on en sort marqué par la grandeur d'un album qui, même dans son enveloppe de noirceur, est d'une fascinante beauté à couper le souffle. Les bijoux ici sont nombreux et les pièges de leurs charmes sont sans pitié pour nos émotions. Un splendide album par le grand prince de la MÉ du genre Berlin School sombre et intimidant des années analogues.

Sylvain Lupari (09/05/18)